Cinema Chit Chat

« Detachment » (2011) : le plus beau métier du monde

2012-02-29T22:54:00.003-05:00

Le pitch : Henry (Adrien Brody), professeur remplaçant, fait face à une classe difficile à Long Island, New York. Il doit en parallèle s’occuper de son grand-père (Louis Zorich) à la santé vacillante, et décide d’aider une jeune prostituée (Sami Gayle).

Il aura fallu presque 1 an pour que « Detachment » sorte aux Etats-Unis après sa diffusion au festival de Tribeca, et il est passé directement par la case Video On Demand. Je comprends désormais pourquoi il a eu des problèmes de distribution, en dépit d’un casting très hollywoodien : le film rate sa cible.

J’ai regardé le film en deux fois, et après la première interruption au bout de 40 minutes, je n’avais pas particulièrement envie de reprendre. Je l’ai tout de même terminé par curiosité, et en suis arrivée à la conclusion suivante : qui trop embrasse mal étreint. En effet, le film s’attaque à trop de sujets : les difficultés de l’enseignement, la prostitution, le passé familial tourmenté… De plus, cette accumulation débouche sur un personnage de professeur remplaçant incroyablement caricatural : non seulement il a une passion sans faille pour son métier, mais il trouve le temps entre deux de venir à la rescousse du grand-père sénile, de la prostituée fragile et du chat maltraité !

Le casting du film est maladroit. Difficile de croire que l’on est face à des enseignants ordinaires quand ils sont interprétés par Adrien Brody, Christina Hendricks, Marcia Gay Harden, Lucy Liu et Blythe Danner. Marcia Gay Harden fait un relativement bon travail pour faire oublier sa célébrité, mais les rôles les plus intéressants reviennent aux inconnues Sami Gayle (la prostituée) et Betty Kaye (l’élève mal dans sa peau).

Enfin, le style du film est très agaçant : esthétisant avec ses petits dessins qui s’envolent, une narration quasi-shakespearienne, et un fond soutenu de musique mélodramatique.

Je suis soulagée de ne pas avoir dépensé 20 dollars à Tribeca pour voir ce film très moyen, et vous conseille plutôt de revoir « Esprits rebelles » ou « Entre les murs » !

Oscars 2012 : les résultats

2012-02-27T00:27:00.001-05:00

Il y a 1 mois, je vous faisais part de mes pronostiques pour les Oscars 2012. Ci-dessous mes commentaires mis à jour avec les gagnants en rouge, et comme vous pouvez le voir, j'ai vu juste 6 fois sur 8 : pas mal !

Comme d'habitude, ce fut une cérémonie très consensuelle et sans grande surprise, laissant la part belle aux films des gros studios hollywoodiens. Il faut toutefois reconnaître que tous les gagnants ont mérité leur prix, ce qui ne se produit pas tous les ans (n'est-ce pas Gwyneth Paltrow et Jennifer Hudson ?).

Meilleur film

« The Artist », « The Descendants », « Extremely Loud & Incredibly Close », « Hugo », « Midnight in Paris », « The Help », « Moneyball », « War Horse », « The Tree of Life »
Mon favori : l’imparfait « Hugo », qui livre l’un des plus beaux moments de cinéma de l’année en racontant de manière très personnelle la création du cinéma.

Le gagnant : « The Artist », grâce au rouleau-compresseur Weinstein. Car soyons honnêtes : même si « The Artist » est un très bon film, son succès dans les circuits américains est avant tout dû au lobbying intensif d’Harvey Weinstein. N’oublions pas que Miramax était derrière le succès du « Discours d’un roi » l’année dernière, et que de manière encore plus surprenante, il a réussi à faire gagner un Oscar de la meilleure actrice à Gwyneth Paltrow pour « Shakespeare in Love » il y a quelques années ! Preuve s’il en fallait que le talent a parfois peu de chose à voir avec les Oscars. Toutefois, « The Descendants » pourrait créer la surprise.

Le réel gagnant : « The Artist »

Meilleur réalisateur

Woody Allen (« Midnight in Paris »), Michel Hazanavicius (« The Artist »), Terrence Malick (« The Tree of Life »), Alexander Payne (« The Descendants »), Martin Scorsese (« Hugo »)

Mon favori : Scorsese, pour l’ensemble de sa carrière, mais aussi parce qu’il est le seul à savoir rendre un tel hommage aux origines du cinéma tout en sublimant les technologies modernes de 3D.

Le gagnant : cela va être très serré entre Payne et Hazanavicius, mais je parie sur Hazanavicius. Mais lorsque deux films sont dans une compétition serrée comme « The Descendants » et « The Artist », les Oscars aiment faire une répartition entre le prix du meilleur film et le prix du meilleur réalisateur. Cela voudrait dire que statistiquement, Payne serait gagnant ici si « The Artist » remporte l’Oscar du meilleur film.

Le réel gagnant : Michel Hazanavicius

Meilleur acteur

Demian Bichir, (« A Better Life »), George Clooney (« The Descendants »), Jean Dujardin (« The Artist »), Gary Oldman (« Tinker Tailor Soldier Spy »), Brad Pitt (« Moneyball »)

Mon favori : Michael Fassbender, qui a été très injustement doublement oublié. Si « Shame » était de toute évidence trop pointu pour les Oscars, ils auraient pu se laisser tenter par le classicisme de « A Dangerous Method ». Parmi les nominés, ma préférence va à Gary Oldman, incroyable de retenue dans « Tinker Tailor Soldier Spy », et je serais également contente de voir le talent multifacettes de Brad Pitt enfin reconnu.

Le gagnant : George Clooney, qui a fait une année exceptionnelle et n’a pas été récompensé depuis « Syriana » en 2006. Toutefois, j’avoue me demander si Jean Dujardin n’a pas une chance : comme évoqué plus haut, Weinstein peut changer la donne, et j’ai rêvé que Dujardin gagnait ! Serait-ce prémonitoire ? Je pense dans tous les cas que Clooney mériterait davantage la récompense.

Le réel gagnant : Jean Dujardin
Un peu déçue pour Clooney, mais on ne peut que se féliciter du tout premier Oscar du meilleur acteur revenant à un Français. De plus, cette victoire de Jean Dujardin me fait m'interroger sur ma capacité à prédire l'avenir en rêves !

Meilleur actrice

Glenn Close (« Albert Nobbs »), Viola Davis (« The Help »), Rooney Mara (« The Girl With the Dragon Tattoo »), Meryl Streep (« The Iron Lady »), Michelle Williams (« My Week With Marilyn »)

Ma favorite : aussi mauvais que soit « The Tree of Life », j’aurais aimé voir une nomination et une victoire pour l'interprétation pleine de grâce de Jessica Chastain. Mais Meryl Streep serait également un choix satisfaisant, d’autant plus qu’elle n’a pas été récompensée depuis 1983 malgré un nombre significatif de belles performances.

La gagnante : Meryl Streep, dont l’interprétation de Thatcher cumule tous les bons points du barème des Oscars – biopic, costumes, accent, transformation physique. Les pronostiques américains parient néanmoins sur Viola Davis.

La réelle gagnante : Meryl Streep
Je suis bien contente d'avoir battu à plates coutures la majorité des pronostiques en faveur de Viola Davis ! Meryl Streep mérite amplement cette première récompense aux Oscars depuis 1983.

Meilleur second rôle masculin

Kenneth Branagh (« My Week With Marilyn »), Jonah Hill (« Moneyball »), Nick Nolte (« Warrior »), Christopher Plummer (« Beginners »), Max Von Sydow (« Extremely Loud & Incredibly Close »)

Mon favori : Christopher Plummer, pour le rôle drôle et touchant d’un vieil homme faisant son coming out.

Le gagnant : Christopher Plummer, car ce serait pour les Oscars l’occasion de lui rendre hommage à 82 ans. De surcroît, il n’a encore jamais gagné d’Oscar.

Le réel gagnant : Christopher Plummer
Plummer devient ainsi le gagnant le plus âgé de l'histoire des Oscars.

Meilleur second rôle féminin

Bérénice Bejo (« The Artist »), Jessica Chastain (« The Help »), Melissa McCarthy (« Bridesmaids »), Janet McTeer (« Albert Nobbs »), Octavia Spencer (« The Help »)

Ma favorite : Octavia Spencer, qui est avec Jessica Chastain l’un des seuls rôles réussis dans « The Help ». Elle y alterne avec brio un humour détonnant et une sensibilité touchante.

La gagnante : Octavia Spencer, systématiquement récompensée dans les autres cérémonies (Golden Globes, SAG…).

La réelle gagnante : Octavia Spencer
Un actrice à surveiller de près ! Elle sera à l'affiche du premier film de Diablo Cody en 2013.

Meilleur scénario original

Woody Allen (« Midnight in Paris »), JC Chandor (« Margin Call »), Asghar Farhadi (« A Separation »), Michel Hazanavicius (« The Artist »), Kristen Wiig and Annie Mumolo (« Bridesmaids »)

Mon favori : « The Artist », qui est l’une des idées les plus originales de 2011.

Le gagnant : à moins qu’« Une séparation » ne crée la surprise, je donne « The Artist » gagnant.

Le réel gagnant : « Midnight in Paris »
C'est la seule vraie surprise de la soirée, Woody Allen n'ayant jamais été un chouchou des Oscars et des Etats-Unis en général. Son dernier Oscar remonte à 1987, pour le meilleur scénario avec « Hannah et ses soeurs »

Meilleur scénario d’adaptation

Alexander Payne, Nat Faxton, Jim Rash (« The Descendants »), John Logan (« Hugo »), George Clooney, Grant Heslov, Beau Willimon (« The Ides of March »), Aaron Sorkin, Steven Zaillian (« Moneyball »), Bridget O'Connor, Peter Straughn (« Tinker, Tailor, Soldier, Spy »)

Mon favori : j’hésite beaucoup, mais remettrais sûrement l’Oscar à « The Descendants ». Néanmoins, tous les films nominés méritent cet Oscar.

Le gagnant : difficile à dire, pour la raison invoquée ci-dessus ! Je dirais que cela va se jouer entre « The Descendants » et « Moneyball ».

Le réel gagnant : « The Descendants »

« My Own Private Idaho » (1991) + « My Own Private River » (2011) : mythique River

2012-02-21T21:06:00.003-05:00

Le pitch : Mike (River Phoenix) vit dans la rue et se prostitue. A la recherche de sa mère, il entreprend un road trip avec son ami Scott (Keanu Reeves) dont il est secrètement amoureux. Scott est pour sa part un héritier qui a choisi de vivre de manière marginale jusqu’à ses 21 ans.

La programmation au Lincoln Center de « My Own Private River », film rassemblant des prises coupées de « My Own Private Idaho », m’a poussée à enfin voir ce film culte et controversé.

Gus Van Sant aborde des sujets difficiles avec une certaine poésie et légèreté rappelant « Arizona Dream », et le film ne sombre jamais dans le pathos. Le film mérite d’être vu rien que pour l’interprétation de Keanu Reeves et River Phoenix, qui se jouent des stéréotypes et trouvent tous deux ce qui restera comme l’un de leur plus beaux rôles.

S’il n’y avait qu’un reproche à faire à Gus Van Sant, c’est d’être trop gourmand. Le film multiplie les intrigues : la quête de la mère, la rébellion de l’héritier, la narcolepsie, la prostitution, les diverses histoires d’amour… C’est alors que la démarche de James Franco prend tout son sens : il a souhaité créer un autre film à partir de scènes coupées, monté comme le serait un film de Gus Van Sant aujourd’hui – une intrigue allégée, des plans plus longs, des personnages plus développés.

Lors des Q&A suivant la projection de « My Own Private River », James Franco a raconté la genèse de son projet. Au moment de la sortie de « Milk », Franco a accompagné Gus Van Sant en Idaho pour une avant-première à but caritatif, et le réalisateur lui a montré les paysages de « My Own Private River ». Il lui a également révélé qu’il possédait 24 heures de rushes, ce qui a grandement intéressé Franco.

L’acteur a donc travaillé sur un montage d’une durée de 12 heures, mais Joaquim Phoenix a imposé son veto sur cette version, par peur que son frère défunt ne soit trop exposé. C’est finalement une version de 1h40 qui a été retenue, et diffusée depuis dans quelques festivals. James Franco souhaiterait que le film soit distribué en salles, mais il nous a dit qu’il ne voulait pas être en compétition avec l’original, et que surtout, New Line ne voulait pas que les deux films soient en compétition !

« My Own Private River » est quelque peu décousu, car il se veut être un complément au film original, mais reconstruit une nouvelle narration entièrement centrée sur la performance de River Phoenix. Son talent est une évidence, dans les scènes émotionnelles comme dans les moments comiques. Ce nouveau montage permet également de réaliser à quel point un montage peut transformer un film : Gus Van Sant tournaient parfois des intrigues alternatives pour se laisser la porte ouverte jusqu’au montage. De manière habile, James Franco choisit de déplacer certaines scènes, ce qui donne un éclairage nouveau sur le film. Il lui donne notamment une fin beaucoup plus désabusée.

Les deux films sont définitivement à voir en parallèle, en espérant que « My Own Private River » soit un jour montré en dehors des festivals.

« Faust » (2011) : l’âme - et le spectateur - en peine

2012-02-18T11:15:00.000-05:00

Le pitch : le docteur Faust (Johannes Zeiler), à la recherche du savoir et de la fortune, rencontre un prêteur sur gage intrigant (Anton Adasinsky) qui l’aide dans sa quête.

A première vue, la prise de risque en allant voir un film ayant remporté le Lion d’Or à Venise racontant une histoire connue de tous et figurant Hannah Schygulla était plutôt limitée. Je me réjouissais de découvrir ce film qui n’a toujours pas de distributeur aux Etats-Unis. Grave erreur ! Pour la première fois de ma vie, j’ai quitté une salle de cinéma avant la fin du film. J’ai jeté l’éponge après 1h50 de supplice (le film dure 2h15), et aurais dû le faire 1h plus tôt.

Je n’ai pas un seul commentaire positif à faire sur ce film. Dès les premières images, faisant un gros plan sur une autopsie à l’ancienne (cadavre ventre ouvert, boyaux qui sortent), la nausée commence. Je n’avais jamais vu un film aussi hideux, de la tentative stylistique Instagram (écran 4 :3, angles arrondis, filtre sépia) aux plans nettement déformés en passant par le corps immonde de Mephistopheles. Sur le fond, « Faust » oscille entre réflexion métaphysique et humour gras, ratant sa cible dans les deux cas. Le jeu des acteurs tombe à plat, et on se demande ce qui a convaincu Hannah Schygulla d'accepter ce rôle de folle courant après le diable.

Je suis généralement ouverte aux divergences d’opinion, mais cette fois je n’arrive pas à comprendre comment ce film a pu recevoir un prix aussi prestigieux que le Lion d’Or, ainsi que certaines critiques positives. Lorsque je lis dans « Abus de Ciné » qu’il s’agit d’un « film à la mise en scène somptueuse, dotée d'une photographie d'une beauté indescriptible », je me demande si nous avons vu le même film. La critique de « Collider » me semble beaucoup plus proche de la réalité : « Alexander Sokurov’s new German-language adaptation will be appreciated by about 237 people on the planet ».

« Faust » est aussi désagréable qu’un cauchemar dont on n’arrive pas à sortir. Passez votre chemin !

« The Iron Lady » (2011) : la mémoire dans la peau

2012-02-13T20:09:00.003-05:00

Le pitch : retour sur la vie de Margaret Thatcher (Meryl Streep), de sa jeunesse dans l’épicerie de son père a ses années à la tête du gouvernement britannique.

Ce n’est pas vraiment une surprise : la seule raison de voir ce film s’appelle Meryl Streep. Sa performance et sa transformation physique lui ont valu une nomination aux Oscars bien méritée, et elle pourrait repartir avec la statuette dans quelques semaines si elle n’est pas battue par la favorite Viola Davis.

Pourtant, le parcours hors du commun de Thatcher aurait pu être l’objet d’un film passionnant. Je m’attendais à une biopic linéaire quelque peu ennuyeuse, mais le résultat ne répond même pas à cette attente. Au lieu de nous expliquer pourquoi et comment Margaret Thatcher a réalisé son ascension politique, le film s’attarde très longuement sur la vieillesse, probablement dans le but de nous attendrir sur l’image d’une vieille dame qui perd la tête. Outre le fait que cela soit peu captivant, c’est surtout un incroyable manque de tact que de s’attarder sur la maladie d’Alzheimer d’une personne encore en vie.

Au final, on apprend juste comment Maggie a transformé son brushing et sa diction pour arriver au sommet. Sans la performance bluffante de Meryl Streep, ce film ne mériterait pas plus d’1 étoile.

« Le prestige » (2006) : la grande illusion

2012-02-12T14:41:00.000-05:00

Titre original : « The Prestige »

Le pitch : à la fin du 19e siècle, deux magiciens, Alfred Borden (Christian Bale) et Robert Angier (Hugh Jackman) poussent de plus en plus loin leur rivalité via des tours de magie, jusqu’à ce que Borden soit jugé pour le meurtre d’Angier.

Par un combat de studios maladroit, « Le prestige » et « L’illusionniste » sont sortis quasiment en même temps, ce qui rend la comparaison inévitable. « Le prestige » se révèle légèrement supérieur en laissant la romance au second plan. Dans « Le prestige », on a plaisir à regarder l’affrontement sans merci entre Christian Bale et Hugh Jackman, épaulés par des seconds rôles de luxe : Michael Caine, Rebecca Hall, Scarlett Johansson, David Bowie… A contrario, l’histoire entre les personnages d’Ed Norton et Jessica Biel dans « L’illusionniste » était un peu plate.

La force de Chris Nolan a toujours été de réaliser des films alambiqués qui forcent les spectateurs à réfléchir. Cette fois, il pousse la complexité un peu trop loin, et l’ont en vient presque à regretter la linéarité de « L’illusionniste ». L’histoire aurait gagné à être simplifiée dans ses détails : par exemple, la révélation sur la nationalité du personnage de Hugh Jackman ne fait pas vraiment avancer l’intrigue. Pour la défense de Nolan, le fait que j’aie vu ce film dans un avion à une heure très tardive n’a clairement pas aidé ma compréhension !

Je suis toujours dérangée par les détails incohérents, et cette fois, c’est la coiffure du personnage de Christian Bale qui m’a perturbée tout au long du film : ses cheveux en bataille sont beaucoup trop modernes, et rendent difficile de croire que le film se déroule au 19e siècle.

Le film remplit son contrat : on est surpris par les multiples rebondissements, tels des spectateurs d’un tour de magie. Il aurait néanmoins gagné en qualité avec un scénario allégé et une durée inférieure à 2 heures.

« Omar m’a tuer » (2011) : jugez-moi coupable

2012-02-04T23:32:00.001-05:00

Le pitch : en 1991, le jardinier Omar Raddad (Sami Bouajila) est jugé coupable du meurtre de son employeur Ghislaine Marchal. Trois ans plus tard, l’écrivain Pierre-Emmanuel Vaugrenard (Denis Podalydès) décide de mener sa propre enquête et de démontrer l’innocence d’Omar Raddad dans un livre.

Difficile de trouver une histoire plus romanesque - et donc parfaitement adaptée au grand écran - que l’affaire Omar Raddad : 20 ans plus tard, la France débat toujours avec autant de passion sur ce qu'il s'est réellement passé dans la cave de Ghislaine Marchal le 23 juin 1991.

Cette affaire donne donc lieu à un film captivant, porté par l’ardeur de Roschdy Zem derrière la caméra, et le grand talent de Sami Bouajila et Denis Podalydès de l'autre côté de la caméra. Sami Bouajila est un Omar Raddad plus vrai que nature, et mériterait amplement de remporter le César du meilleur acteur dans quelques semaines.

Si les faits se sont réellement produits tels qu’ils sont racontés dans le film, la condamnation d’Omar Raddad est une erreur accablante de la justice française. Non seulement on a du mal à croire que cet homme réservé puisse commettre un acte de violence, mais les preuves de l’accusation semblent très faibles. Le film laisse entendre que la justice et les gendarmes ont volontairement omis des pièces à conviction prouvant l’innocence de Raddad.

La réalité est visiblement un peu plus complexe. Tout d’abord, il faut signaler que Roschdy Zem a basé son film sur le livre d’Omar Raddad, « Pourquoi moi ? » (2002), dont il a acheté les droits d’adaptation. C’est donc le point de vue du jardinier qui est présenté dans le film. Ensuite, il semblerait plutôt que les zones d’ombres soulignées dans le film soient autant présentes en faveur d’Omar Raddad qu’en sa défaveur. A en croire l’article de Wikipedia, les alibis de Raddad pendant sa pause déjeuner du jour du meurtre n’ont pas été validés, et son besoin incessant d’argent pour aller jouer au casino est un motif valable de meurtre. A l’opposé, il y a bien eu un doute sur la date de décès de Ghislaine Marchal, et le petit ami repris de justice de la femme de ménage aurait pu être davantage inquiété.

« Omar m’a tuer » livre donc une vision partielle de l'affaire, mais le fait avec beaucoup de sincérité et de conviction. On peut ne pas adhérer à ce parti pris, mais il faut reconnaître que le film soulève les bonnes questions. A voir !

« We Need to Talk About Kevin » (2011) : le possédé

2012-02-02T21:05:00.001-05:00

Le pitch : Eva Katchadourian (Tida Swinton) vit seule dans une banlieue triste. Après les actes barbares de son fils Kevin (Ezra Miller), elle est harcelée par ses voisins, qui n'hésitent pas à l'agresser dans la rue ou lancer de la peinture sur sa maison et sa voiture.

« We Need to Talk About Kevin » a fait couler beaucoup d’encre au festival de Cannes, et les échos étaient mitigés. Pourtant, le film a été très bien accueilli par les critiques lors de sa sortie. C’est donc avec un peu d’appréhension que je l’ai regardé.

Par des allers-retours narratifs, l’histoire raconte la relation entre Eva et son film Kevin, un enfant difficile qui devient un adolescent ingérable. On se demande à multiples reprises si elle s’y prend mal, mais le film penche plutôt pour la théorie d’un enfant profondément mauvais par nature, tel un Damien de « La malédiction ». Le film pousse d’ailleurs un peu trop loin cette théorie, et j’aurais préféré voir un personnage plus nuancé. Est-ce que les tueurs de Columbine torturaient déjà leur mère en étant bébés ? Rien n’est moins sûr. « Elephant » avait le mérite d’être beaucoup plus constructif dans la représentation des meurtriers.

Le sang est omniprésent dans « We Need to Talk About Kevin » : il se matérialise par du jus de tomate, de la confiture, de la peinture rouge, ou encore… de réelles effusions de sang. La manière dont la réalisatrice joue avec l’esthétique et les sons est d’ailleurs très troublante, en particulier dans une scène où la dégustation d’un litchi fait écho à la perte d’un œil.

Je savais avant de voir le film qu’il serait question d’un massacre dans un lycée (ce n’est pas réellement un secret, et le fait de le savoir ne gâche pas le film), mais je dois dire que j’ai été surprise par le degré jusqu’auquel l’horreur est poussée. Le crime que commet Kevin en parallèle de ses actes au lycée est le point le plus dérangeant du film.

Un film à déconseiller aux âmes sensibles, donc. Pour les autres, il laissera un souvenir marquant en dépit de ses imperfections.

Oscar Predictions 2012

2012-01-29T22:31:00.003-05:00

En cette soirée de SAG Awards, je me prête à l’exercice des pronostiques pour les Oscars se déroulant fin février, ce qui, une fois la cérémonie passée, me permettra de prouver que j’avais raison… ou vous permettra de prouver que j’avais tort ! Mais je souhaite aussi parler de mes favoris, tout en ayant conscience que l’Académie ne sera pas souvent d’accord avec moi.

Meilleur film

La gagnante : Octavia Spencer, systématiquement récompensée dans les autres cérémonies (Golden Globes, SAG…).

Meilleur scénario original

Rendez-vous le 26 février.

« Une séparation » (2011) : divorce à l’iranienne

2012-01-29T20:06:00.002-05:00

Le pitch : Simin (Leila Hatami) veut obtenir le divorce et la garde de sa fille de 11 ans (Sarina Farhadi), ce que le juge lui refuse en l’absence d’accord de son mari Nader (Peyman Moadi). Simin quitte alors le foyer familial, forçant Nader à trouver une aide à domicile pour son père atteint d’Alzheimer.

Attention, cette critique est un « minority report » : à l’opposée du consensus général des critiques presse et des blogueurs, je n’ai pas été convaincue par « Une séparation ».

Certes, je reconnais que les acteurs jouent de manière très juste (chapeau à Leila Hatami), et que le film a le mérite de sensibiliser le public à la vie des Iraniens, et en particulier des femmes iraniennes. Simin veut ainsi quitter le pays pour que sa fille grandisse dans un environnement plus stable que l’Iran. Mais le drame familial qui fait l’objet du film est également universel, et il est facile d’avoir de l’empathie pour les personnages.

Toutefois, je me suis ennuyée face à ce film au rythme lent et à l’esthétique très brute. Je n’ai pas compris pourquoi il a été comparé à un « thriller haletant » par la presse, et n’ai ressenti aucune émotion.

C’est donc pour moi la plus grosse déception des sorties de 2011, juste devant « The Tree of Life ».

« L’amour dure trois ans » (2011) : love and other drugs

2012-01-29T09:56:00.001-05:00

Le pitch : Marc Maronnier (Gaspard Proust), en pleine dépression post-divorce, écrit un roman sur les illusions de l’amour. Le jour où il tombe sous le charme de la pétillante Alice (Louise Bourgoin), il n’arrive pas à lui annoncer qu’il est l’auteur de ce roman.

Après le succès en salles de l’adaptation de « 99 Francs » avec Jean Dujardin, Beigbeder passe cette fois directement derrière la caméra. A l’écran, son double est le talentueux Gaspard Proust, qui retranscrit à merveille son allure gauche, son visage fuyant et son comportement d’enfant gâté. Alice est quant à elle interprétée par Louise Bourgoin, qui a décidément du mal à sortir des rôles de grande fille nature et allumeuse.

Beigbeder ne recule devant aucun gros moyen « bling bling » pour épater le spectateur : une avalanche de seconds rôles people, d’Anny Duperey à Marc Lévy en passant par Michel Legrand, et le plateau du Grand Journal avec Denisot et Massenet, pour un passage plus pénible qu’amusant (la grande déclaration d’amour live de Marc Maronnier).

Beigbeder échappe néanmoins à un travers majeur : il ne cherche pas à être fidèle à son roman, et l’adapte au format grand écran avec une mise en abyme astucieuse. Cette prise de liberté dans l’adaptation donne lieu à de bonnes trouvailles, comme le personnage de l’éditrice (Valérie Lemercier), et à des additions plus hasardeuses lorsqu’il développe les personnages peu sympathiques des meilleurs amis (Joey Starr, Jonathan Lambert, Frédérique Bel).

Après une première heure légère et dynamique, le film s’enlise. Les multiples tentatives de Marc pour reconquérir Alice deviennent répétitives. On se dit alors que Marc Maronnier était plus intéressant en homme blasé cherchant à démontrer que l’amour est un leurre. Heureusement, la fin est fidèle au roman, et redonne une pointe d’esprit critique au film.

En bref, Beigbeder cinéaste est à l’image de Beigbeder écrivain : drôle et cynique, mais très inégal d’une scène à l’autre. Un film à voir pour passer un moment divertissant, mais ne faites pas comme moi : économisez 10€ et attendez la diffusion sur TF1 !

« Yves Saint Laurent - Pierre Bergé, l’amour fou » (2011) : à vendre

2012-01-24T16:04:00.000-05:00

Le pitch : Pierre Bergé revient sur sa relation avec Yves Saint-Laurent, de leur rencontre en 1958 au décès d’Yves en 2008.

Il arrive souvent que des films me déçoivent. Mais une fois n’est pas coutume, j’ai été bien plus que déçue : « L’amour fou » m’a profondément agacée.

Ce documentaire s’annonçait pourtant bien : des critiques excellentes, un passage par le festival de Tribeca en avril dernier, une sortie en salles aux États-Unis (fait rare pour un film français), et un très charmant générique d’ouverture, dont les collages rappellent tout de suite l’univers du couturier.

Passé ce moment de grâce, je suis tombée de haut : les trois-quarts du film se concentrent sur la collection vendue aux enchères au Grand Palais en 2009, et le quart restant met en scène la défense de Pierre Bergé face aux critiques. Il semble en effet utiliser leur « amour fou » pour redorer son image.

Attendez-vous donc à de longs plans fixes sur les résidences du couple à Paris et Marrakech, et à des explications détaillées sur l’acquisition de tableaux de Mondrian ou d’une sculpture de Brancusi.

L’incroyable génie d’Yves Saint-Laurent, ses dépressions, ou encore les difficultés à être ouvertement homosexuel dans les années 1950-60 sont des sujets tout juste effleurés. A plusieurs reprises, j’ai eu espoir que le film bascule définitivement sur le thème de la passion artistique, mais on en revient toujours à la fameuse vente aux enchères.

Que s’est-il passé ? Est-ce que Pierre Bergé a imposé le script comme il a imposé son veto pour l’exposition des portraits d’YSL par Andy Warhol au Grand Palais, ou bien est-ce que l’équipe du film manque de talent ? Est-ce juste un choix de titre maladroit ? Certes, un documentaire intitulé « Le catalogue de vente de la collection Bergé-Saint Laurent » aurait été moins vendeur, mais beaucoup plus approprié.

En cherchant frénétiquement sur internet une explication à l’enthousiasme général pour ce film, j’ai tout de même noté que Le Monde n’était pas non plus convaincu par « L’amour fou » : il lui trouve d'ailleurs un bon titre de substitution, « L’amour à vendre ».

En bref, passez votre chemin, et re-visionnez plutôt « Lagerfeld Confidentiel » ou « The September Issue » !

« Le faucon maltais » (1941) : sweet dreams are made of this

2012-01-23T07:16:00.003-05:00

Titre original : « The Maltese Falcon »

Le pitch : Samuel Spade (Humphrey Bogard), détective privé, est embauché par Brigid O'Shaughnessy (Mary Astor) pour retrouver un homme s’étant prétendument enfui avec sa sœur. Une statuette couverte de pierres précieuses se révèle être le réel objet de sa convoitise.

Difficile d’écrire sur un film aussi mythique, d’autant plus lorsqu’il n’est pas a la hauteur de ses attentes initiales !

Commençons par le point fort du film : ses « méchants ». Peter Lorre est à la fois ridicule et inquiétant, aussi frêle que Sydney Greenstreet est imposant. Le duo entre ces deux acteurs fonctionne si bien qu’ils ont collaboré dans 8 films après « Le faucon maltais ». Dommage que le troisième larron, Elisha Cook Jr., soit beaucoup moins charismatique. A leur côté, Mary Astor interprète une femme fatale ambigüe, qui fascine Spade bien qu’il sache qu’elle lui ment.

L’intrigue complexe autour du faucon est fascinante, mais elle semble un peu bâclée : le film aurait gagné à prendre plus de temps pour chaque nouveau développement, notamment le passage concernant le bateau. De plus, l’aisance avec laquelle Bogard résout le mystère manque profondément de crédibilité. Reste une réplique culte qui résume bien le mystère du film : « The stuff that dreams are made of ».

C’est donc un film à voir, mais il rentre pour moi dans la catégorie des déceptions, au même titre que le grand succès suivant de Bogard, « Casablanca ». Je n’ai d’ailleurs jamais complètement compris pourquoi cet acteur était autant adulé.

Pour un bon « whodunit », je préfère revoir les grands classiques d’Hitchcock.

Meilleurs films : années 1980

2012-01-21T17:54:00.001-05:00

Six mois déjà se sont écoulés depuis le meilleur des années 1990 : mon retard sur certains classiques, la difficulté à trouver les films en streaming sur Netflix et les contraintes professionnelles m’ont mis des bâtons dans les roues !

Le cru des années 80 est quelque peu décevant, à tel point que je n’ai rien trouvé pour 1981 : mes tentatives avec « On Golden Pond », « Les chariots de feu » et « Le facteur sonne toujours deux fois » n’ont rien donné. Ce sont des films plutôt bons, mais qui ne m’ont pas semblé inoubliables. A contrario, 1988 a mis en compétition « Les liaisons dangereuses », « Cinema Paradiso » et « Le tombeau des lucioles » : dur choix, et j’ai décidé de ne retenir que les deux premiers.

J’espère que le classement ci-dessous vous donnera néanmoins des idées de soirées DVD !

Mon classement des années 1980 :

1980 - Le roi et l’oiseau
La méchanceté du roi a marqué mon enfance. Un dessin animé poétique et mélancolique qui ne s’adresse pas qu’au jeune public.

1982 - Le choix de Sophie (Sophie's Choice)
Pour Meryl Streep, et pour ce « choix » qui glace encore le sang des années après l’avoir vu.

1983 - Scarface
Grandeur et décadence à Miami ! Al Pacino est éblouissant dans ce film culte.

1984 - Sang pour sang (Blood Simple)
Un néo-film noir emblématique de l’univers cynique et ensanglanté des frères Coen (critique ici)

1985 - Retour vers le futur
Probablement l’une des meilleures comédies du cinéma américain, grâce à un scénario astucieux et un « Doc » (Christopher Lloyd) déjanté.

1986 - Matador
Un film sulfureux sur fond de tauromachie, qui marqua la première collaboration entre Almodovar et Antonio Banderas.

1987 - Au revoir les enfants
Une histoire d’amitié profondément touchante dans la France occupée.

1988 - Les liaisons dangereuses (Dangerous Liaisons) / Cinema Paradiso (Nuevo Cinema Paradiso)
Le premier est aussi cruel et manipulateur que le second est tendre et innocent !

1989 - Batman / Le cercle des poètes disparus (Dead Poet Society)
Impossible de faire un classement des années 80 sans Tim Burton ! Mais il serait injuste de laisser de côté la beauté triste et classique du film de Peter Weir.

« La conquête » (2011) : jeux de pouvoir

2012-01-19T08:24:00.001-05:00

Le pitch : alors que Nicolas Sarkozy (Denis Podalydès) s’apprête à remporter le second tour de l’élection présidentielle de 2007, il reste pensif dans une pièce sombre à l’idée de perdre sa femme Cécilia (Florence Pernel).

Après « Le Skylab » et avant « Une séparation », je continue ma revue de la programmation des vols Air France transatlantiques !

La conquête » a fait couler beaucoup d’encre pour être le premier film français à parler d’un Président en exercice. Il faut apprécier l’audace, mais cela a sûrement causé le principal défaut du film : peut-être pour éviter les procès en diffamation, le film se veut très factuel, tel un documentaire de reconstitution de scène de crime. On y retrouve toutes les petites phrases (« je décide, il exécute », « Sarkozy il faut lui marcher dessus avec le pied gauche, ça porte bonheur »…) qui ont ponctué la guerre intestine de l'UMP pour désigner un candidat.

Malgré ce manque de recul et de psychologie, j’ai beaucoup apprécié le film : il met en relief de manière nerveuse et efficace 5 ans d’histoire récente de la politique française. Tous les événements que nous avons suivis sur ces années prennent d’un seul coup sens en 1h45. De plus, son point de vue factuel le rend neutre de tout biais partisan.

« La conquête » dresse le portrait d’un Président agité, ayant soif de pouvoir comme il a faim de chocolats, et profondément blessé par l’éloignement de sa femme. Denis Podalydès, dont la ressemblance physique était loin d’être évidente, fait un travail remarquable : toutes les intonations et mimiques de Sarkozy sont respectées. Il en va de même pour les autres personnages principaux : Chirac et Villepin sont particulièrement convaincants.

Alors, certes, on est davantage devant un téléfilm de grande qualité que devant du cinéma inventif, mais « La conquête » est un film qui se regarde avec plaisir.

« Le Skylab » (2011) : un dimanche à la campagne

2012-01-15T20:20:00.000-05:00

Le pitch : en juillet 1979, tandis que le satellite Skylab menace de s’écraser sur la France, une famille se réunit pour célébrer l’anniversaire de la grand-mère (Bernadette Lafont).

Pour son cinquième long métrage, Julie Delpy se lance dans une comédie populaire au casting de luxe : elle-même, Eric Elmosnino, Aure Atika, Noémie Lvovsky, Karin Viard, Sophie Quinton, Bernadette Lafont, Valérie Bonneton, Vincent Lacoste…

Comme souvent dans ses films, elle s’inspire librement de sa vie, et on reconnaît bien ses parents dans les personnages qu’elle interprète avec Eric Elmosnino : les parents artistes, libérés et militants de gauche. Son père, Albert Delpy, est d’ailleurs présent dans le rôle de l’Oncle Hubert n’ayant plus toute sa tête. La manière dont elle croque les artistes donne d’ailleurs lieu aux meilleurs passages du film. Je retiens en particulier un passage hilarant où les parents artistes racontent avec nonchalance à leur famille qu’ils ont emmené leur fille de 11 ans voir « Apocalypse Now » et « Le Tambour » (sortis effectivement en 1979), avant d’émettre des réticences plus loin dans le film lorsque la petite Albertine veut voir « Alien ».

D'autres passages sont joliment faits, comme le touchant coup de foudre de la petite Albertine pour un garçon plus grand, ou l'histoire effrayante sous la tente racontée par Vincent Lacoste (qui reste dans la veine de son personnage des "Beaux gosses").

Le film est beaucoup moins réussi quand il s’attaque à la politique et à la guerre : les débats entre militants de droite et de gauche, ou bien la dépression de l’ancien combattant d’Algérie, sont terriblement ennuyeux. Mais le principal échec du film est de vouloir articuler cette histoire de famille de 1979 avec le temps présent : les passages d'introduction et clôture avec Karin Viard n’ont ni queue ni tête.

Pour résumer, « Le Skylab » est une chronique amusante, haute en couleurs et bien filmée de la vie d’une famille, mais pâtit de l’absence d’un réel fil conducteur au-delà des anecdotes.

« Le temps qu’il reste » (2009) : résistance

2012-01-15T01:11:00.003-05:00

Titre original : « The Time That Remains »

Le pitch : Elia Suleiman (himself) se souvient de sa famille et de son enfance à Nazareth après la création de l’Etat d’Israël.

J’avais remarqué « Le temps qu’il reste » au moment du Festival de Cannes de 2009, où il avait reçu des critiques élogieuses. Il s’agit d’un film en grande partie autobiographie, mettant en scène quatre moments de la vie d’Elia Suleiman et de sa famille, de 1948 à nos jours. Il s’est inspiré des carnets de son père et de lettres envoyées entre membres de sa famille pour reconstituer l’histoire familiale.

Ce film est pour le moins atypique. Suleiman a un style très particulier, qui rappelle parfois « La visite de la fanfare » par son mélange de comique absurde et de mélancolie. Suleiman a d’ailleurs choisi l’un des acteurs principaux de « La visite de la fanfare », Saleh Bakri, qui joue ici un père séduisant et héroïque digne d’un personnage de film d’action américain.

Cela amène à une mise en scène très théâtrale, qui a certes une esthétique agréable mais manque d’émotions. Le film est par contre plus intéressant pour son aspect historique : on découvre la perception des Palestiniens face à ce qu’ils vivent comme une occupation. Lorsque le film se termine dans les années 2000, les relations entre les militaires israéliens et le peuple palestinien sont autant – voire plus – tendues qu’en 1948, et une scène tragi-comique où un adolescent téléphonant dans la rue est suivi de près par un char résume bien la situation. On y parle également de l’implication des Etats-Unis, vécue comme un colonialisme par les Palestiniens.

La notion de temps est bien entendue centrale dans le film, et le choix du titre laisse entendre que le réalisateur appelle Israël et la Palestine à trouver une sortie de conflit avant qu'il ne soit trop tard.

Dommage que « Le temps qu’il reste » soit si lent et poseur : il enchevêtre avec talent une « petite histoire » très personnelle et « grande histoire » complexe et fascinante, et aurait pu être un grand film.

« Le nom des gens » (2010) : film socialisme

2012-01-08T20:47:00.006-05:00

Le pitch : Bahia (Sarah Forestier), jeune fille d’origine algérienne, se décrit comme une « pute politique » : elle séduit des hommes de droite pour les convertir au socialisme. Le jour où elle rencontre Arthur Martin (Jacques Gamblin), jospiniste sans histoires, des étincelles se produisent.

On a beaucoup parlé du « Nom des gens » en France : dans un premier temps pour l’apparition de Lionel Jospin en guest star, puis pour son succès au box-office, et enfin quelques mois plus tard pour le César de Sarah Forestier et son discours de remerciement déjanté. Les critiques étaient moins enthousiastes que les spectateurs, et décrivaient un scenario très moyen.

Je me rattrape enfin, et ce film est plutôt une bonne surprise. Le début sur les origines d’Arthur et Bahia est particulièrement réussi, et est traité avec une certaine poésie rappelant l’esprit d’« Amélie Poulain ». Le reste du film est attachant, et se laisse regarder facilement. Il y a de bonnes trouvailles, comme le moment où Bahia achète des tourteaux pour les relâcher dans la mer. Et à ma grande surprise, aussi improbable que ce couple soit, il y a de l’alchimie entre Sarah Forestier et Jacques Gamblin.

Il est néanmoins incontestable que le scenario compte un bon nombre de maladresses. Certaines parties de l’histoire sont bâclée et tombent à plat, notamment le mariage de Bahia pour donner des papiers à un immigré ou la maladie de la mère de Martin. Le happy ending était inévitable, mais on a du mal à croire que ce couple mal assorti puisse avoir un avenir ensemble à long terme.

En bref, je recommande ce film pour passer une soirée agréable. Son discours engagé et son hommage à Jospin plairont particulièrement aux spectateurs de gauche !

« Mort à Venise » (1971) : la mort aux temps du choléra

2012-01-06T21:10:00.000-05:00

Titre original : « Morte a Venezia »

Le pitch : le compositeur Gustav von Aschenbach (Dirk Bogarde) se rend en vacances pour se rétablir d’une maladie et oublier son récent échec musical. Il y croise une riche famille en vacances, et développe une fascination pour l’un des enfants, Tadzio (Björn Andrésen).

« Mort à Venise » fait partie de la trilogie allemande de Visconti, après « Les damnés » (1969) et avant « Ludwig » (1972). Il est adapté du roman éponyme de Thomas Mann, avec quelques éléments de flashback empruntés au « Docteur Faustus ».

Alors que « Les damnés » était décadent visuellement et scénaristiquement, « Mort à Venise » est beaucoup plus en retenue. Il y a très peu de dialogues, les tons sont gris, et le film met en valeur les compositions de Gustav Mahler, qui a inspiré le personnage d’Aschenbach. C’est une Venise atypique que l’on voit dans « Mort à Venise » : ciel couvert, sirocco, rumeurs de choléra… Au lieu de retrouver la santé, Aschenbach s’enfonce dans l’ambiance morose du Lido.

On ne peut pas dire que « Les damnés » était un film très sain – les membres de la famille sont nazis, meurtriers, pédophiles, incestueux – mais paradoxalement, j’ai été beaucoup plus mal à l’aise en visionnant « Mort à Venise ». Aschenbach, homme d’âge mur, tombe sous le charme d’un enfant auquel on donne environ 13 ans (l’acteur avait 15 ans à l’époque). Certes, c’est d’abord le concept de beauté absolue qui le séduit, et il croit être devant la perfection qu’il a cherchée toute sa vie en tant qu’artiste, mais il y a quelque chose de profondément dérangeant dans son fantasme d’approcher et effleurer le garçon.

Mon analyse est peut-être tirée par les cheveux, mais il m’a semblé que la mère de Tadzio ressemblait beaucoup à l’épouse d’Auschenbach (je croyais d’ailleurs que Marisa Berenson interprétait la mère et non l’épouse). Tadzio, ange blond, a également des traits de famille avec la petite fille décédée d’Aschenbach. Ainsi, son fantasme pour Tadzio est non seulement proche de la pédophilie, mais également de l’inceste.

Pour d’autres raisons, une autre scène m’ayant dérangée est l’intervention de l’artiste de rue aux dents noircies : sa chanson imitant un rire nerveux est très pénible à supporter, et son visage cadavérique est effrayant.

A côté de ces éléments hérissant le poil, j’ai apprécié la représentation des comportements sociaux au Grand Hôtel des Bains au début du 20ème siècle : une scène où Aschenbach passe en revue toutes les personnes occupant les salons de l’hôtel est particulièrement intéressante. On aimerait d’ailleurs en savoir plus sur la famille de Tadzio, polyglotte et extrêmement aisée.

En bref, j’ai été déçue par rapport au chef d’œuvre que j’attendais : j’aurais préféré être mise en garde sur sa lenteur et sa réflexion conceptuelle sur la beauté. « Mort à Venise » demeure toutefois un film à voir.

« Les chariots de feu » (1981) : la victoire est en nous

2012-01-04T21:35:00.000-05:00

Titre original : « Chariots of Fire »

Le pitch : Harold Abrahams (Ben Cross) et Eric Liddell (Ian Charleson), deux athlètes britanniques que tout oppose, se préparent pour les jeux Jeux Olympiques de 1924 à Paris.

Bien qu’ayant remporté l’Oscar du meilleur film en 1981, « Les chariots de feu » n’a pas grandement marqué les esprits, si ce n’est pour sa scène d’ouverture d’athlètes courant sur la plage sur fond de « Titles » de Vangelis. Malheureusement, cette musique a tellement été exploitée par la pub (cette pub Nike étant un exemple de détournement réussi) qu’elle m'a fait immédiatement penser à des chiens courant au ralenti sur la plage.

Librement inspiré d’une histoire vraie, le film tient un propos intéressant sur les classes sociales, les croyances religieuses, et le dépassement de soi par le sport, mais tout cela est traité de manière bien trop classique. « Les chariots de feu » souffre également de longueurs, et j’ai dû m’y reprendre à plusieurs fois pour le terminer. L’histoire d’amour entre Harold et Sybil est particulièrement fade.

Autrement dit, « Les chariots de feu » remplit tous les critères pour faire un tabac aux Oscars : biopic, un peu ennuyeux, costumes d’époque et héroïsme des personnages principaux. Trente ans plus tard, un autre film britannique a remporté l’Oscar du meilleur film avec ces mêmes critères : « Le discours d’un roi ».

Un ami m’avait prévenue que c’était un film à réserver « aux hommes qui courent », donc il semblerait que je ne sois pas cœur de cible.

En bref, « Les chariots de feu » est plutôt bon, et est porté par un casting convaincant, mais n’a rien d’inoubliable.

« Cría Cuervos » (1976) : les fleurs du mal

2012-01-02T21:39:00.000-05:00

Le pitch : Ana (Ana Torrent), 8 ans, a perdu sa mère (Géraldine Chaplin) des suites d’un cancer et pense avoir empoisonné son père (Hector Alterio). Sa tante (Monica Randall) emménage avec elle et ses deux sœurs pour assurer leur éducation.

Cela faisait bien longtemps que je voulais voir « Cría Cuervos » : lorsque j’étais au lycée, mes petits camarades ayant choisi l’espagnol avaient étudié ce film en cours, et m’avaient eu l’air profondément marqués. Je m’attendais à un film proche de l’épouvante tant ils étaient obsédés par le film. Malheureusement, il s’agit d’un film difficile à trouver, et il m’a fallu toutes ces années avant de pouvoir le louer sur Netflix.

L’obsession de mes camarades de classe n’était pas due à la violence visuelle du film. Passé une scène d’ouverture très sombre où la petite fille assiste à la mort de son père, le film ne s’aventure jamais dans l’épouvante. La violence psychologique est par contre très profonde, et l’on a rarement vu à l’écran un personnage d’enfant si tourmenté.

« Cría Cuervos » peut paraître simple à première vue, jusqu’à ce que l’on prenne conscience de son contexte politique. Au moment du tournage du film en 1975, Franco était en train de mourir. Les langues commençaient à se délier, mais la censure était encore bel et bien présente. Ce contexte est présent en filigrane dans le film, via le personnage du père militaire et volage. C’est un homme mauvais, qui délaisse sa famille et entraîne ses enfants dans une spirale de la violence.

Le titre du film nous donne la clé de lecture. « Cría Cuervos » veut dire « élève des corbeaux », et vient d’un proverbe espagnol : « Élève des corbeaux et ils t'arracheront les yeux ». La petite Ana, ayant une grande tristesse dans ses yeux mais également beaucoup de dureté pour son âge, veut tuer son père puis sa tante – pourtant aimante. Elle joue à l’adulte, comme on le voit dans une scène où les enfants se déguisent, mais ne comprend pas bien la différence entre la mort et l’absence : elle croit qu’il lui suffit de fermer les yeux pour que sa mère réapparaisse au détour du frigo.

Cela fait bien évidemment penser au conte fantastique de del Toro, « Le Labyrinthe de Pan », qui raconte également l’histoire d’une petite fille prisonnière de la violence franquiste. Dans des styles radicalement opposés, bien qu’ils mélangent tous deux rêve et réalité, chacun est essentiel pour tenter de comprendre ce qu’a vécu l’Espagne pendant les années de dictature.

« Cría Cuervos », Grand Prix du Jury à Cannes en 1976, a popularisé la chanson « Porque te vas » : dans le film, l’accent anglais de la chanteuse Jeanette et les paroles sur l’absence rappellent à la petite Ana la disparition de sa mere.

Depuis 1976, Ana Torrent s’est faite bien trop rare à l’écran : son dernier rôle majeur était dans « Tesis » (1996), un autre film espagnol à voir absolument.

Vous l’aurez compris, je vous incite à partir à la recherche du DVD de « Cría Cuervos », film fascinant à portée historique majeure.

Le meilleur de 2011

2011-12-31T15:46:00.001-05:00

Comme le veut la tradition, je me prête à l'exercice du top 10 de fin d'année. 2011 fut une année riche en découvertes cinématographiques, avec de grandes surprises (« Shame ») et de grandes déceptions (« The Tree of Life »). Voici donc les films que je vous recommande.

1. Shame

2. Drive

3. Higher Ground

4. Hugo

5. Tinker Tailor Soldier Spy

6. The Girl With the Dragon Tattoo

7. A Dangerous Method

8. Martha Marcy May Marlene

9. The Descendants

10. The Artist

Mon top 3 est composé de véritables coups de cœur : des films auxquels on repense pour différentes raisons, de la musique obsédante de « Drive » à l’introspection de « Higher Ground ». Je recommande vivement les 7 autres films, mais l’ordre du classement est un peu plus approximatif.

Ce fut pour moi l’année du versatile Michael Fassbender et de la délicate Jessica Chastain. Je leur souhaite une saison des Oscars riche en récompenses. Ryan Gosling et Emma Stone ont également crevé l’écran, mais je ne pense pas que leur heure soit arrivée concernant les divers awards, faute de pleine reconnaissance dans le registre dramatique. Il faudra également suivre de près les nouvelles venues Rooney Mara et Elizabeth Olsen en 2012 : une belle carrière s’annonce pour elles.

A noter que je n’inclus dans mon classement que les films de 2011 au sens strict : cela me force à laisser de côté trois coups de cœur de 2010 : « Black Swan » (sorti tardivement en France), « Incendies » et « La solitude des nombres premiers » (sortis tous deux tardivement en France et aux Etats-Unis).

Je tiens également à signaler que je n’ai pas vu « Une séparation », « La guerre est déclarée » et « Take Shelter », trois films ayant reçu des critiques élogieuses. Pour référence, vous trouverez ci-dessous tous les films de 2011 que j’ai eu l’occasion de visionner.

Bonne année à tous !

Films de 2011 pris en considération : A Dangerous Method, Bridesmaids, Carnage, Contagion, Crazy, Stupid, Love, Drive, Habemus Papam, Hanna, Higher Ground, Hugo, La piel que habito, Limitless, Ma part du gateau, Margin Call, Martha Marcy May Marlene, Melancholia, Midnight in Paris, Moneyball, New Year’s Eve, One Day, Page One: Inside the New York Times, Rango, Restless, Shame, Source Code, The Artist, The Descendants, The Girl With the Dragon Tattoo, The Good Doctor, The Help, The Ides of March, The Loneliest Planet, The Perfect Family, The Tree of Life, Tinker Tailor Soldier Spy, Water for Elephants, Win Win

« The Girl with the Dragon Tattoo» (2011) : le journaliste qui venait du froid

2011-12-24T15:17:00.003-05:00

Le pitch : le journaliste Mikael Blomkvist (Daniel Craig) perd un procès contre le puissant Hans-Erik Wennerström. Le tout aussi puissant Henrik Vanger (Christopher Plummer), ennemi de Wennerström, l’engage alors pour enquêter sur le meurtre de sa nièce Harriett, disparue 36 ans auparavant sur l’île familiale.

Malgré les très bons échos entendus sur les trois romans, je ne m’étais jamais vraiment intéressée à la saga Millenium. La bande-annonce choc du film de Fincher m’a vite fait changer d’avis, et c’est avec impatience que j’ai attendu la sortie du film.

Dès le générique d’ouverture, on se retrouve plongés dans une ambiance poisseuse et esthétisante. La noirceur de « The Girl With the Dragon Tattoo » est plus proche de « Seven » que de « Zodiac », et les images choc de viols et meurtres risquent de heurter les âmes sensibles.

Le mystère du film, en soi tout à fait classique (un meurtrier se cache parmi les membres de la famille), tient en haleine de manière très efficace. Fincher pèche seulement en cherchant à couvrir la totalité du roman : les dernières scènes sur fond de transferts de comptes secrets déçoivent quelque peu, et entraînent une baisse de rythme dans ce film un peu trop long (2h40).

Ce qui est par contre beaucoup plus original, c'est la manière résolument moderne dont l'enquête est menée. Le plus grand de l'enquête se passe en effet derrière des ordinateurs, et les méthodes de Lisbeth Salander pour hacker les ordinateurs ou encore l'étude minutieuse des photos numérisées par Blomkvist sont fascinantes.

Comme tout le monde le dit et l’écrit, Rooney Mara est incroyable en Lisbeth Salander punk-gothique. Après un rôle mineur mais critique dans « The Social Network » - celui de la petite amie de Zuckerberg -, elle bluffe dans son premier grand rôle. Elle a coupé et noirci ses longs cheveux châtains à la Kate Middleton, s’est affamée, et a vaincu sa peur de monter sur une moto. On n’a pas fini d’entendre parler d’elle, et Fincher adaptera les deux tomes suivants de la saga avec elle si les résultats au box office sont probants.

Autre point fort du film, sa bande originale : on retrouve aux commandes Trent Reznor, ancien des Nine Inch Nails (choix très saillant pour un film si noir), ayant déjà collaboré avec Fincher pour « The Social Network ».

J’ai par contre trouvé cela assez pénible que les acteurs essaient de prendre un accent suédois plus ou moins réussi. En ajoutant à cela le fait qu’ils marmonnent dans certaines scènes, cela rend certains dialogues difficiles à comprendre. Mais peut-être s’agissait-il juste d’un problème de réglage du son dans ma salle de cinéma !

« The Girl With the Dragon Tattoo » n’est pas parfait, mais est le meilleur film de serial killer que l’on ait vu depuis longtemps !

« Easy A » (2010) : la rumeur court

2011-12-23T11:33:00.000-05:00

Le pitch : Olive (Emma Stone) passe totalement inaperçue dans son lycée, à son grand dam, jusqu’à ce qu’une rumeur se répande sur la perte de sa virginité par sa faute. Elle prend goût à cette nouvelle attention, jusqu'à ce qu'elle perde le contrôle de son image.

Je n’attendais pas grand-chose de ce film, si ce n’est qu’il soit plus intelligent et acerbe que la moyenne des films pour ados, à l’image de « Mean Girls ». « Easy A » remplit parfaitement ce cahier des charges : ce n’est pas un grand film, mais une comédie agréable à regarder, qui élève le niveau en faisant un parallèle entre la vie de l’héroïne et « La lettre écarlate ».

L’intérêt principal du film s’appelle Emma Stone : dans son premier grand rôle, elle crève l’écran. Comme cela s’est confirmé dans ses films suivants, elle sait être drôle – voire parfois pathétique – tout en restant intelligente. Même dans les scènes où elle s’habille de manière provocatrice, elle ne tombe jamais dans le vulgaire. Ce rôle lui a d’ailleurs valu une nomination aux Golden Globes pour meilleure actrice de comédie.

Elle est secondée par une belle brochette de seconds rôles : Patricia Clarkson et Stanley Tucci en parents hippies, Thomas Haden Church en professeur exemplaire mais cool, Malcolm McDowell en principal strict, Amanda Bynes en sainte nitouche… Mais surtout, pour les fans de « Friends » comme moi, on y retrouve avec plaisir la toujours déjantée Lisa Kudrow, dans le rôle de la conseillère d’orientation peu conventionnelle. Il n’y a que Penn Badgley qui hérite d’un rôle peu intéressant, celui du « beau gosse » au grand cœur dont Olive rêve en secret.

Pas un chef d’œuvre mais un bon film détente, « frais à 85% » selon Rotten Tomatoes.

« Tinker Tailor Soldier Spy » (2011) : agent double

2011-12-21T18:09:00.000-05:00

Le pitch : pendant la Guerre Froide, la rumeur court qu’une taupe au service de l’URSS est implantée dans le “Cirque”, le plus haut niveau des services secrets britanniques. Une opération pour la démasquer à Budapest tourne mal.

Vous vous demandez sûrement ce qui justifie un titre de film aussi étrange : il fait référence à une comptine pour enfants anglaise intitulée « Tinker, Tailor ». Passé ce moment perplexe, on ne peut être qu’impressionné par le pédigrée de ce film : adaptation d’un roman de John le Carré, premier film en anglais pour le talentueux Tomas Alfredson (réalisateur de « Morse »), et un casting 4 étoiles avec Gary Oldman, Colin Firth, John Hurt, Mark Strong, Tom Hardy et bien d’autres. Les premiers échos au festival de Venise étaient de surcroît très positifs.

Ce qui frappe tout de suite en voyant « Tinker Tailor… », c’est la maîtrise esthétique du film. L’atmosphère londonienne des années 70 est reconstituée avec grand soin, à tel point qu’il serait crédible de penser que le film a réellement été tourné à cette époque.

Fait inhabituel, les agents sont essentiellement vus dans un environnement bureaucratique, très loin du glamour de James Bond. A part l’élégant Colin Firth, tous les personnages sont des hommes ordinaires qui passeraient facilement inaperçus. Gary Oldman livre une interprétation exceptionnelle, toute en retenue et dégradés de gris.

Si « Tinker Tailor… » a d’aussi bonnes critiques, et remplit la salle de cinéma de mon quartier un mardi soir, c’est parce que c’est l’un de ces rares films qui challengent le spectateur intellectuellement. Il est parfois difficile de suivre l’intrigue, et une fois le dénouement connu, j’ai eu envie de revoir le film pour me concentrer sur les petits détails qui mettaient sur la piste.

Je n’ai qu’un seul reproche à faire au film : sa sobriété le rend quelque peu distant du spectateur. On entraperçoit les émotions de certains personnages, toujours réfrénées, mais il n’a pas la portée émotionnelle de « Morse ». Pour cette raison, c’est un excellent film - l'un des meilleurs de l'année - mais pas un coup de cœur.

Allez le voir pour vous torturer les méninges !

« Love Story » (1970) : conte d'hiver

2011-12-18T00:00:00.005-05:00

Le pitch : sur le campus d’Harvard, Oliver Barrett (Ryan O’Neal), riche héritier, tombe amoureux de Jennifer Cavalleri (Ali McGraw), venant d’un milieu beaucoup plus modeste. S’en suit une histoire passionnelle… jusqu’à ce que la mort les sépare.

Dans la série des rattrapages de films cultes, « Love Story » était incontournable. Il est devenu une référence d’histoire d’amour contrarié, et tout le monde connaît son thème « (Where Do I Begin ?) Love Story ».

S’il est cité comme l’un des films les plus romantiques de tous les temps, il ne faut pas oublier que les critiques étaient néanmoins partagées à l’époque de sa sortie, et qu’il n’a gagné qu’un seul Oscar pour la bande originale.

Et pour cause, il y a de quoi être partagé. « Love Story » oscille entre d’affreux clichés et des mouvements plus audacieux. Parmi les moments d’audace, citons le fait de commencer la narration après la mort de l’héroïne principale, le fort tempérament de cette même héroïne, ou la profondeur des relations père-fils. Le père d’Oliver Barrett est au passage interprété par le grand Ray Milland, héro du « Crime était presque parfait ». J’ai également été intriguée par le choix de ne montrer Boston et New York qu’en hiver, bien que le film se déroule sur plusieurs années : cela peut être interprété par le biais de la mémoire d’Oliver, ou comme le symbole de la mort qui arrive (et pour partager mon expérience personnelle, je pourrais ajouter que l’hiver ne semble jamais se terminer quand on est à Boston !).

Malheureusement, les clichés prennent le dessus : le coup de foudre au premier regard, le père riche qui s’oppose au mariage alors que le père pauvre est adorable, la jeune épouse qui abandonne sa carrière pour suivre son mari avocat… et bien entendu, le plus insupportable de tous les clichés – la leucémie est une maladie indolore dont on meurt subitement, sans dégât physique autre qu’un petit malaise. Le critique Roger Erbert l’a officiellement nommée la « maladie d’Ali McGraw » : une maladie dont le seul symptôme est de s’embellir tandis que la mort approche !

J'ajouterais aux points irritants du films la fameuse musique « Love Story », entendue tout au long du film jusqu’à l’écœurement, et le personnage de Jennifer qui se veut toujours plus malin que les autres. Heureusement que le charme et l'innocence de Ryan O'Neal viennent contrebalancer une Ali McGraw moyennement aimable.

Je suis donc mitigée face à ce film : je comprends son statut de film culte, mais ne le considère absolument pas comme un grand film. Il a néanmoins le mérite de montrer de nombreux plans du très beau campus d'Harvard, qui a par la suite décidé de restreindre l’accès aux tournages en raison des dommages occasionnés par l’équipe du film.

Après avoir vu « Love Story », ma première réaction a été d’imaginer à un film différent, se concentrant davantage sur l’épreuve personnelle d’Oliver en tant que veuf à 25 ans. Je n’ai pas été la seule à avoir l’idée : il y a eu une séquelle intitulée « Oliver’s Story », dans laquelle Oliver se reconstruit avec une riche héritière jouée par Candice Bergen. Ce dernier détail suffit à comprendre pourquoi le film a fait un flop.

Triste ironie de la vie, Ryan O’Neal s’est battu contre une leucémie de 2001 à 2006. Sa maladie est désormais en rémission, mais il continue son traitement.

Film à réserver aux inconditionnelles fleurs bleues…

« New Year’s Eve » (2011) : Oops I did it again

2011-12-11T20:39:00.003-05:00

Le pitch : à New York, chacun se prépare à la nouvelle année à sa manière. Sur Times Square, les préparatifs de la boule prennent du retard.

Après « Valentine’s Day », Garry Marshall nous ressert sa soupe : un casting impressionnant et un scénario aussi fin que du papier à cigarette. Malheureusement, ce genre de film cartonne au box office : au AMC de Times Square, le film est projeté dans 5 salles !

Comme les critiques l’ont unanimement écrit, c’est un navet. Le casting et les histoires sont totalement improbables (Zac Efron et Sarah Jessica Parker sont frère et sœur, Sarah Jessica Parker rencontre l’homme de sa vie en la personne de Josh Duhamel…), et le suspense autour de la boule de Times Square est ridicule.

Toutefois, « New Year’s Eve » est bien plus agréable à regarder que « Valentine’s Day ». New York est mis en valeur, et la musique est entraînante. Je ne me suis pas ennuyée pendant les 2 heures de film, car la narration est fluide et les personnages sont plutôt divertissants, malgré quelques rôles agaçants (Katherine Heigl en chef, Lea Michele en wannabe-chanteuse, Ashton Kutcher en hipster, et même la talentueuse Michelle Pfeiffer dans le rôle de la secrétaire ville fille gourde).

A voir pour faire passer une longue soirée d’hiver, mais attendez le DVD !

« Hugo » (2011) : l’invention des rêves

2011-12-09T20:45:00.003-05:00

Le pitch : Hugo Cabret (Asa Butterfield), jeune orphelin, vit dans la gare Montparnasse dont il entretient les horloges. Il rêve de faire fonctionner un vieil automate trouvé par son père dans un musée : pour cela, il lui faudra une clé bien spéciale.

La bande annonce d’« Hugo » ne m’avait pas convaincue : on sentait venir le film familial typique de Thanksgiving, visant un public très jeune. De plus, on peut se demander ce qui pousse Spielberg, Scorsese et Coppola à adopter la 3D simultanément : est-ce pour exploiter les nouvelles possibilités visuelles ou bien contrer le piratage ? Dans le cas de Coppola, le piratage n’était probablement pas la motivation, puisqu’il clame haut et fort qu’il défend un accès libre aux films, même illégalement, mais les premières critiques du « Tintin » de Spielberg n’étaient pas de bon augure. Je me suis finalement dirigée vers ma salle de cinéma après avoir lu une critique de TimeOut : « Well, this is unexpected: Marketed as if it were a saccharine Chris Columbus joint, Martin Scorsese’s eye-popping kids-lit adaptation turns out to be a bizarrely two-headed beast. »

« Unexpected », c’est bien le mot : « Hugo » surprend. Derrière le conte pour enfant se cache une grande déclaration d’amour au cinéma, et je ne suis pas certaine que le jeune public trouvera un intérêt dans ce mystère tournant autour de George Méliès. Par contre, les grands enfants cinéphiles apprécieront de revoir les tous premiers films des frères Lumière et de Méliès, ainsi que de nombreuses références aux classiques : un automate semblant sortir tout droit de « Metropolis », la « danse macabre » entendue dans « La règle du jeux », ou encore un extrait de film avec Chaplin. Ces scènes sont incroyablement touchantes, et justifient à elles seules de voir « Hugo ».

Certes, c’est un film imparfait. Il y a quelques longueurs (en particulier lors de la première demi-heure), et les personnages des enfants sont fades. Asa Butterfield se contente d’écarquiller ses grands yeux bleus, et Chloë Moretz semble bien trop sage après « Kick Ass ». Mais les portraits d’adultes sont excellents : Sacha Baron Cohen en inspecteur chasseur d’orphelins, Ben Kingsley en vieux monsieur aigri, Christopher Lee en bibliothécaire intimidant, Emily Mortimer en innocente fleuriste… Ce sont eux qui portent le film, dans ses moments comiques comme dramatiques.

Pour la première fois, l’usage de la 3D se justifie pleinement, en particulier dans les épatantes scènes en profondeur en gare Montparnasse (qui est en fait une réplique de la gare du Nord). Cette fois, la 3D n’est ni un gadget (« Là-haut », « Toys Story 3 »), ni source de migraines (« Avatar »). Ce n’est pas étonnant que mon cinéma ait choisi de projeter « Hugo » uniquement en 3D, au lieu de laisser le choix aux spectateurs comme cela se fait habituellement. Vous ne regretterez pas d’avoir payé le supplément lunettes.

« Hugo » est un oxymore : derrière le blockbuster digital se cache le film le plus personnel de Scorsese. A ne pas manquer !

« Valentine’s Day » (2010) : alerte (au mauvais film) à Malibu

2011-12-09T20:18:00.001-05:00

Le pitch : c’est la Saint Valentin à Los Angeles, et chacun s’interroge sur ses relations amoureuses.

Eh oui, le pitch est court, à l'image du scénario de « Valentine’s Day » ! Je ne m’attendais pas à un chef d’œuvre, mais il arrive que les comédies romantiques américaines soient divertissantes et plutôt plaisantes à regarder. Ce n’est pas le cas ici, mais voyons le bon côté des choses : cela laisse le temps de ranger son salon ou faire la cuisine sans perdre le fil de l’histoire !

Un seul détail a attiré ma curiosité : « Valentine’s Day » est un film relativement féministe par rapport à la comédie romantique moyenne. Deux personnages féminins sont accros à leur BlackBerry et font passer leur carrière avant les hommes, et un troisième personnage féminin (Julia Roberts) est dans l’armée. Les scènes les plus réussies ont d’ailleurs lieu entre Bradley Cooper et Julia Roberts.

A noter également que Garry Marshall vient de sortir « Valentine’s Day 2 », appelé « New Year’s Eve » pour nous faire croire qu’il s’agit d’un film original. D’après les critiques, il y a encore plus de stars et moins de scénario. Je risque hélas de d’aller le voir en salle sous la pression d’une amie !

En bref, passez votre chemin, et re-visionnez plutôt « Love Actually ».

« La nuit américaine » (1973) : le journal d'un cinéaste

2011-12-03T18:26:00.002-05:00

Le pitch : le réalisateur Ferrand (François Truffaut) tourne son nouveau film, « Je vous présente Pamela », qui raconte comment une jeune femme anglaise s’enfuit avec son beau-père, provoquant la fureur du mari et fils trompé. Il doit jongler entre les difficultés de tournage et les égos des acteurs.

Après « 37.2°C le matin », encore un classique dont j’ignorais tout de l’histoire ! Si vous non plus ne savez rien du film, sachez que la nuit américaine est un procédé par lequel on tourne une scène de nuit en plein jour en utilisant un film sur la caméra.

J’ai été surprise par la légèreté et la simplicité du film : tout est raconté au second degré, y compris les passages les plus sombres du tournage. Pourtant, c’est un film qui accroche, car il donne envie d’en savoir plus sur les acteurs et sur le film dans le film. Les personnages sont en effet très attachants, de l’acteur immature (Jean-Pierre Léaud) qui se demande si les femmes sont magiques à la star internationale (Jacqueline Bisset) essayant de se reconstruire après une dépression, en passant par la scripte (Nathalie Baye) qui ne perd jamais le nord. La légende dit que Billy Wilder aurait demandé à Truffaut s’il avait embauché une vraie scripte, tant Nathalie Baye était convaincante dans son rôle.

« La nuit américaine » séduit les cinéphiles car c’est avant tout un hommage au cinéma. On prend plaisir à observer les dessous du tournage lorsque Ferrand guide les figurants au microphone ou lance le rideau de pluie au-dessus d’une fenêtre. Ma scène préférée est celle du chat qui refuse d’aller boire le lait : Ferrand crie « trouvez-moi un chat qui sait jouer ! ».

« La nuit américaine » est également une réflexion sur la psychologie des acteurs, et pose une question intéressante : est-ce que le cinéma vaut plus que la vie ? Truffaut nous donne sa réponse dans cette scène via le personnage de Ferrand : « Les films sont plus harmonieux que la vie, Alphonse. Il n'y a pas d'embouteillages dans les films, il n'y a pas de temps morts. (…) Les gens comme toi, comme moi, tu le sais bien, on est fait pour être heureux dans le travail de cinéma ».

Regards croisés : Hollywood et Broadway

2011-11-26T18:26:00.000-05:00

Sur Broadway cette année, on a pu voir Robin Williams, Ben Stiller, Frank Langella, Nina Arianda, Samuel L. Jackson, Angela Bassett, Kim Cattrall, Hugh Dancy, Daniel Radcliffe, Hugh Jackman, Brooke Shield, Jim Belushi ou encore Alan Rickman.

La présence des acteurs sur les planches n’est pas nouvelle, mais elle semble s’être accentuée récemment. En France aussi, Audrey Tautou, Mélanie Laurent ou Juliette Binoche ont tenté l’expérience. Pour les acteurs, cela permet de combler les passages à vide au cinéma ou de renforcer sa crédibilité en tant qu’« intellectuel ». Pour les producteurs de théâtre, c’est l’occasion de toucher un public plus large et de justifier des prix de tickets exorbitants. Car à Broadway, il faut compter 100 à 250 dollars pour une place plein tarif en orchestre ou premier balcon (les codes de réduction, rush tickets et places à vue partielle permettent parfois de descendre jusqu’à 70 dollars).

Malgré ce cout élevé, j’ai profité régulièrement de la programmation de Broadway depuis mon arrivée, car c’est une expérience unique : les moyens sont démesurés, et on ressort éblouis par cette abondance de talents, costumes, décors et, pour les comédies musicales, rythmes entrainants. Quiconque passant par New York devrait aller voir « Wicked » ou « Lion King ».

Les passerelles entre les planches et le cinéma ne se font pas seulement via les acteurs. Certains films deviennent des comédies musicales (« Lion King », « Mary Poppins », « The Addams Family »), et des comédies musicales sont adaptées au cinéma (« Chicago », Mamma Mia », « Rock of Ages », « Rent »…). Côté théâtre traditionnel, les passerelles sont à sens unique : difficile de transformer un film en pièce, alors que le contraire se fait bien (« Carnage », le nouveau Polanski, était à Broadway l’année dernière).

J’ai pour ma part vu cette année trois spectacles ayant des acteurs au casting.

Dans le très sombre « Bengal Tiger at the Baghdad Zoo », Robin Williams interprète le fantôme d’un tigre hantant les rues de Bagdad. Rôle improbable, certes, mais très réussi. On y parle de la guerre en Iraq et du cercle de la violence, avec des effusions de sang qui sont à réserver à un public averti. Il est rare de voir un sujet aussi engagé à Broadway, mais le public s’est déplacé face aux excellentes critiques.

Zach Braff a quant à lui fait ses débuts en tant que scénariste d’une pièce off-Broadway (c’est-a-dire une salle de moins de 500 personnes), « All New People », et a choisi ses collègues acteurs pour les quatre rôles : Justin Bartha (« Very Bad Trip »), Krysten Ritter (abonnée aux seconds rôles de bonne copine dans les comédies américaines), Anna Camp (« True Blood », « The Help ») et David Wilson Barnes (« Law & Order »). Les critiques étaient plus partagées, et il est vrai que ce n’est pas la meilleure pièce de l’année. Ceci dit, on passe un bon moment et les dialogues sont bien ciselés.

Enfin, j’ai vu le one-man show de Hugh Jackman, intitulé sobrement « Hugh Jackman Back on Broadway ». Son cas est particulier, puisqu’il a commencé par le théâtre, d’abord à Sydney puis à Londres. Son rôle dans « Oklahoma ! » a fait parler de lui, et l’a amené au cinéma lorsque la comédie musicale a été adaptée en film. « The rest is history », comme le dit Jackman dans son show : il décroche son rôle dans « X-Men » en 1999. Sur scène, Jackman impressionne : il raconte des moments de sa vie, chante, danse et parle au public. Ses charmes ne laissent pas le public féminin indifférent, et certaines lui ont demandé d’enlever sa chemise à plusieurs reprises ! Lorsqu’il se met dans la peau de Peter Allen en chemise et pantalons dorés moulants et interprète « I Go to Rio » (adapté ensuite en français par notre Cloclo national) en secouant des maracas, il prouve au public qu’il n’a vraiment peur de rien ! Lorsqu’il se décidera à sortir de la peau de Wolverine, il faudra suivre les choix de carrière de cet acteur incroyablement talentueux.

Quelles que soient les motivations des acteurs pour rejoindre les planches, il est toujours agréable de les voir jouer sans les artifices du cinéma.

« The Cotton Club » (1984) : jazz à tous les étages

2011-11-20T14:46:00.000-05:00

Le pitch : pendant la Prohibition, le Cotton Club de Harlem est le lieu où se mêlent artistes, célébrités et gangsters. Après lui avoir sauvé la vie, le trompettiste Dixie Dwyer (Richard Gere) est embauché par le chef de gang Dutch Schultz (James Remar). Tous deux tombent sous le charme de la jeune et ambitieuse Vera Cicero (Diane Lane).

« The Cotton Club » n’est pas le film le plus connu de Coppola, et a été un échec lors de sa sortie en salles, mais il mérite qu’on lui donne une seconde chance. Il rassemble tous les ingrédients d’un divertissement haut-de-gamme : un scénario signé par Coppola, William Kennedy et Mario Puzo, un casting 4 étoiles (Richard Gere, Diane Lane, Bob Hoskins, Nicolas Cage, Laurence Fishburne et bien d’autres), des scènes de danse et musique incroyables, du glamour, des gangsters, des meurtres et des histoires d’amour, sur fond historique de Prohibition et ségrégation ! On pense aux « Incorruptibles », au « Parrain » ou à « Il était une fois en Amérique ».

Le point fort du film est l’élégance avec laquelle il est filmé : les scènes de spectacle à Harlem et Broadway sont spectaculaires, et donnent envie de voyager dans temps pour se rendre dans les clubs mythiques des années 1920-30. Comme d’habitude avec Coppola, une attention méticuleuse est portée aux détails, ne laissant pas de place au hasard. Ces scènes de spectacle font parfois de l’ombre à l’intrigue, qui n’avance pas toujours aussi vite que l’on pourrait le souhaiter. Toutefois, l’histoire est prenante, et j’avais hâte de savoir ce qui allait se passer.

Il y a beaucoup de personnages, et certains auraient mérité un traitement plus approfondi. Richard Gere est parfait dans son rôle, mais son personnage est fade : il reste passif pendant toute l’histoire, balloté entre son maître « The Duch » et sa dulcinée rebelle Vera Cicero. Derrière les costumes et le maquillage, j’avais reconnu un visage familier pour cette dernière mais n’arrivait pas à identifier Diane Lane, qui n’avait que 19 ans à l’époque. Son personnage n’est pas conventionnel : jeune femme à fort caractère, elle se soumet à un gangster pour arriver à ses fins et repousse le playboy joué par Gere. L’autre personnage sortant du lot est Owney Madden (interprété par Bob Hoskins), propriétaire du Cotton Club, bootlegger et gangster : malgré sa main de fer, c’est un personnage attachant, loin de tout manichéisme.

« The Cotton Club » donne l’occasion d’en apprendre un peu plus sur les guerres de gangs à New York pendant la Prohibition. Le scénario est bien sûr romancé et adapté librement des faits réels, mais la plupart des personnages du film ont existé. Le film a réellement été tourné à New York, au Plaza Hotel, à Grand Central, dans les rues de Harlem ou encore Broadway (voir quelques photos ici).

En bref, malgré quelques imperfections et l’ombre du « Parrain », « The Cotton Club » est du grand divertissement qui mérite une séance de rattrapage.

« Habemus Papam » (2011) : crise de foi

2011-11-14T20:44:00.000-05:00

Le pitch : suite à la mort du Pape, le Conclave se réunit pour élire un successeur. Après un premier tour non concluant, le cardinal Melville (Michel Piccoli) est élu. Un grand cri lui échappe lorsque sa nomination s’apprête à être annoncée au public.

Lorsque Nanni Moretti, intellectuel de gauche militant, s’est lancé dans son nouveau projet sur fond religieux, le Vatican a craint le pire – et cela se comprend lorsque l’on connaît le traitement qu'il a réservé à Berlusconi dans « Le Caïman ». Un grand soulagement a suivi les premières projections : certes, il y aura toujours certaines personnes fermées d’esprit refusant que le Pape soit l'objet d’un film, mais la plupart des milieux catholiques ont reconnu qu’il y avait beaucoup de respect dans la manière dont Moretti aborde le sujet.

« Habemus Papam » m’inspire des sentiments partagés. Le postulat de départ, un Pape sujet à des états d’âme, est très bien trouvé, et le film est mené avec un délicat mélange de sobriété et de malice. Michel Piccoli est excellent du haut de ses 85 ans, et il faut voir son personnage s’échapper en trottinant dans les rues de Rome, au grand dam de sa garde rapprochée du Vatican ! Un grand moment de cinéma !

Hélas, « Habemus Papam » manque de souffle et laisse un goût d’inachevé. Le personnage du psy interprété par Moretti est sous-exploité : il a de bonnes répliques, mais ses scènes ne mènent à rien. C’est un film agréable mais fade.

Dommage, car « Habemus Papam » avait un grand potentiel. Moretti confirme qu'il appartient au Panthéon des cinéastes italiens les plus surestimés.

« Ordinary People » (1980) : le fils préféré

2011-11-12T18:48:00.000-05:00

Le pitch : Conrad (Timothy Hutton) fait une dépression depuis la mort accidentelle de son frère. N’arrivant plus à communiquer avec ses parents et ses amis, il décide d’aller voir un psy (Judd Hirsch) pour, dit-il, retrouver le contrôle.

Je n’avais jamais entendu parler d’« Ordinary People » avant de faire des recherches sur le box-office et le palmarès des Oscars 1980. Il a pourtant remporté cette année-là les Oscars du meilleur film (devant « Raging Bull »), meilleur actrice, meilleur second rôle masculin et meilleur scénario d’adaptation.

A y regarder de plus près, on comprend pourquoi le film n’a pas autant marqué que « Raging Bull » et ne s’est pas bien exporté en France : c’est un drame intimiste et très ancré dans la société américaine. L’intrigue se passe dans une banlieue du Midwest, où une famille aisée ordinaire perd ses repères suite à la mort du fils / frère. L’atmosphère n’est pas sans rappeler « Running on Empty », tourné 8 ans plus tard.

Mary Tyler Moore a séduit les Oscars par son rôle de mère incapable de transmettre la moindre émotion suite à la mort du « fils préféré », mais Donald Sutherland aurait tout autant mérité une nomination pour son rôle de père tendre et dépassé. Tous les acteurs jouent exceptionnellement juste sur un thème difficile à traiter.

Toutefois, la sauce ne prend pas autant que pour « Running on Empty » : le principal défaut du film est son manque de rythme, qui commence à se sentir dès les premières 30 minutes. Je ne suis pas non plus une grande fan des nombreux flashbacks : ce qui se passe dans le présent suffit à comprendre les émotions des personnages.

C’est donc un film à voir davantage pour ses excellents acteurs – Donald Sutherland, Mary Tyler Moore, Timothy Hutton, Judd Hirsch, Elizabeth McGovern – que pour l’intrigue.

« 37°2 le matin » (1986) : …passionnément, à la folie

2011-11-07T12:02:00.002-05:00

Le pitch : Zorg (Jean-Hugues Anglade) répare des maisons en bord de mer lorsque Betty (Béatrice Dalle) débarque dans sa vie. S’en suit une histoire passionnelle, et le fort tempérament de Betty les conduit à déménager à Paris.

Etrangement, je n’avais jamais eu l’occasion de voir « 37°2 » jusqu’à présent. Bien que ce soit un film dont on a beaucoup parlé, je ne savais presque rien de l’histoire : je m’attendais à un road trip de hors-la-loi dans le Sud de la France, d’où les 37°C, à mi-chemin entre « Bonnie and Clyde » et « Thelma et Louise ». Mais le titre fait en réalité référence à la température du corps d’une femme enceinte au réveil.

C’est agréable de se faire surprendre par un film qui a 25 ans. Je ne m’attendais absolument pas à la tournure que prend le film, ni à retrouver une telle brochette de seconds rôles (Gérard Darmon, Clémentine Célarié, Vincent Lindon…). Le thème du film est captivant, et n’est pas sans rappeler « Vol au-dessus d’un nid de coucou » : où s’arrête le fort caractère, et où commence la démence ?

Pourtant, je n’ai été qu’à moitié convaincue, et ce pour trois raisons. Tout d’abord, après une première heure entraînante, le rythme du film s’essouffle. Encore heureux que les distributeurs aient forcé Jean-Jacques Beineix à couper une heure de film : 3 heures à cette cadence auraient été insupportables. Ensuite, j’ai trouvé que les nombreuses scènes de nudité tenaient parfois plus du voyeurisme que de la nécessité artistique : le personnage de Jean-Hugues Anglade ne serait pas moins libre s’il portait un caleçon pour aller lire dans la cuisine ! Enfin, et c’est le principal défaut du film, je trouve Béatrice Dalle agaçante – à la vie comme à l'écran. L’agressivité de Betty (avec le chef de Zorg, ou les clients de la pizzeria) donne envie de lui donner des claques. Difficile, dès lors, de complètement s’émouvoir lorsque le film prend un tournant plus tragique.

Malgré ses imperfections, je recommande à chacun de voir « 37°C le matin » : il ne laisse pas indifférent, et est probablement l’un des films les plus emblématiques du cinéma français des années 80.

« Margin Call » (2011) : fin de partie

2011-10-30T22:03:00.000-04:00

Le pitch : au cœur d’une vague de licenciements dans sa banque d’investissement, le jeune analyste Peter Sullivan (Zachary Quinto) découvre que son ancien chef (Stanley Tucci) travaillait sur un modèle mettant à jour les prises de risque de la banque sur des mortgage-backed securities.

« Margin Call » est un drôle d’oiseau, à l’image de « Contagion » : c’est un film ultra-réaliste et bien documenté, qui souffre quelque peu de l’ombre de son casting 4 étoiles : Kevin Spacey, Jeremy Irons, Stanley Tucci, Demi Moore, Penn Badgley, Zachary Quinto, Ashley Williams, Paul Bettany, Simon Baker…

Jamais un film sur la finance n’avait été aussi peu clinquant. Certes, le big boss arrive en hélico et les financiers ont de belles voitures, mais on est loin de Gordon Gekko et de son « greed is good ». J.C. Chandor, dont le père était banquier d’affaires chez Merrill Lynch, a choisi de se concentrer sur une unité de temps (24 heures) et quasi-unité de lieu (les bureaux de la banque).

Le film aura plus d’intérêt pour ceux qui s’intéressent un minimum à la finance, mais pour les non-initiés, il prend soin d’expliquer à plusieurs reprises le mécanisme financier qui risque d’entraîner la chute de la banque. Les mortgage-backed securities (MBS) sont le produit phare qui a accéléré la crise des subprimes : en raison de la complexité de la sécuritisation, il est difficile d’évaluer le risque associé. Dans le film, le jeune analyste découvre que la volatilité autour de ces produits est bien supérieure à la norme, et pourrait représenter un risque du montant de l’entière capitalisation de la banque.

S’en suit une attitude « après moi le déluge » : la direction décide de vendre tous ses MBS sous une journée, avant que le pot aux roses ne soit découvert par les acheteurs des produits. Le film montre bien pourquoi tout le monde participe à l’opération moralement discutable : pour la direction, c’est la seule option pour ne pas mettre la clé sous la porte immédiatement, et les traders veulent récolter un bonus généreux avant de perdre leur poste.

« Margin Call » s’inspire bien évidemment de Lehman Brothers, qui a fait faillite en 2008 et est devenu l’emblème de la crise. Dans un excellent article sur le film, un journaliste raconte son expérience dans les bureaux de Lehman le jour où tout le monde a fait ses cartons : il y régnait un grand calme. Tout le paradoxe de Wall Street est là : plus la situation se dégrade, plus les traders sont calmes.

« Margin Call » permet d’observer un autre phénomène du monde du travail américain, déjà traité par « Up in the Air » : la brutalité des licenciements. Le personnage de Stanley Tucci voit son accès à son ordinateur et son téléphone immédiatement interrompu, ce qui donne lieu au passage le plus ironique du film : lorsque son ancienne équipe le cherche pour qu’il leur explique ses travaux sur la volatilité des MBS, il est injoignable !

« Margin Call » est donc une bonne surprise, et est le premier film de fiction à traiter avec calme et modération la crise financière actuelle.

« Le facteur sonne toujours deux fois » (1981) : les amants terribles

2011-10-27T22:31:00.001-04:00

Titre original : « The Postman Always Rings Twice »

Le pitch : Frank (Jack Nicholson), vagabond au lourd casier judiciaire, s’arrête au restaurant de Nick (John Colicos). Ce dernier lui propose du travail à sa station essence, et Frank accepte en apercevant la belle épouse de Nick (Jessica Lange).

Classique des années 80, « Le facteur sonne toujours deux fois » est le remake d’un autre classique éponyme des années 40. Les cinéphiles avertis ont généralement une préférence pour la version originale, mais le remake a davantage marqué les esprits, sûrement en raison de la scène sulfureuse entre Nicholson et Lange dans la cuisine du restaurant. Je n’ai pas vu l’original, mais devine qu’il était beaucoup plus sage : à l’époque du code Hays, le moindre baiser prolongé était censuré.

Ce film suit à la lettre les codes du film noir : l’épouse femme fatale qui pousse son amant à tuer son mari, et le triangle judiciaire entre l’avocat, le procureur et l’assureur concernant l’assurance vie du mari. On pense bien sûr au grand classique « Assurance sur la mort » (« Double Indemnity » en V.O.).

Là où « La facteur sonne toujours deux fois » surprend, c’est dans la représentation des personnages principaux : ils sont tous foncièrement mauvais. Le mari est un idiot, la femme a une lueur de folie dans les yeux, et l’amant est un escroc. Pour une fois, ce n’est pas Nicholson qui joue le personnage le plus illuminé : il est surpassé par Jessica Lange, dont le personnage frôle le masochisme par goût de l’aventure.

C’est donc un bon film, et le scénario est astucieux, mais il est difficile de s’attacher à des personnages autant antipathiques.

« Martha Marcy May Marlene » (2011) : la fille coupée en deux

2011-10-25T18:22:00.005-04:00

Le pitch : Martha (Elizabeth Olsen) s’échappe d’une maison isolée des Catskills en pleine nuit. Elle appelle sa sœur Lucy (Sarah Paulson), qui vient la chercher et la conduit jusqu’à sa maison dans le Connecticut. Mais Martha est profondément perturbée, et a perdu ses repères de vie en société.

On a beaucoup entendu parler de ce film à Sundance, Cannes et au NYFF, et pourtant, il fait actuellement une sortie limitée dans 2 salles à New York, probablement avec l’espoir d’étendre à de nouvelles salles en cas de succès. Cette prudence est compréhensible, car c’est un film difficile abordant la crise identitaire d’une jeune fille après avoir vécu dans une secte.

Sur le fond, les thèmes de la survie et de l’identité ne sont pas sans rappeler « La piel que habito ». Sur la forme, on est très loin de l’univers d’Almodovar : « Martha Marcy May Marlene » a un visuel très particulier, à la fois réaliste et travaillé. Beaucoup de plans en extérieur ont un contraste limité et un certain flouté.

Le propos du film est quelque peu dérangeant, car Martha n’arrive plus à distinguer le bien du mal. Pour elle, les règles imposées par sa sœur (ne pas se baigner nue dans le lac, par exemple) sont aussi étranges que celles de la communauté sectaire qu’elle vient de quitter. On se demande alors comment elle a pu devenir aussi influençable et se laisser piéger par une communauté très Charles-Mansonesque. Des éléments de réponse sont donnés lorsque son père absent et le décès récent de sa mère sont évoqués. Les sectes ont un talent sans pareil pour cibler les êtres les plus affaiblis, et le leader de la communauté (interprété par l’excellent John Hawkes) ne s’en cache pas lorsqu’il dédie à Martha/Marcy une chanson commençant par « she’s just a picture ».

Autre point dérangeant : le film pose plus de questions qu’il n’apporte de réponses. Il nous raconte seulement le milieu d’une histoire. La fin brutale est déconcertante, et lors du NYFF des spectateurs ont demandé au réalisateur Sean Durkin ce qui se passait après l’écran noir : il a répondu qu’il n’en avait aucune idée puisque le film se termine !

Ce sont tout ce mystère et ce déconfort qui font de « Martha Marcy May Marlene » un bon film, plus intelligent que la moyenne des sorties en salles. Il a également le mérite de faire découvrir Elizabeth Olsen (sœur cadette de Mary-Kate et Ashley), qui fait un début très prometteur et a de grandes chances d’être nominée à l’Oscar de la meilleure actrice. Sa performance est habitée, et elle a un visage doux et lumineux qui passe très bien à l’écran.

Encore un film à voir, qui confirme que les quatre derniers mois de l’année sont toujours les plus fastes au cinéma !

« The Ides of March » (2011) : tu quoque mi fili

2011-10-20T22:31:00.000-04:00

Le pitch : Stephen Meyers (Ryan Gosling) est un jeune et brillant conseiller en politique impliqué dans la campagne du Gouverneur Mike Morris (George Clooney) pour les primaires démocrates. Ses illusions s’effondrent quand il découvre l’envers du décor de la campagne.

On ne voit qu’eux en ce moment, et parfois c'est un peu agaçant : Ryan Gosling dans « Crazy, Stupid, Love » et « Drive », George Clooney bientôt à l’affiche de « The Descendants » alors qu’il n’a pas encore fini sa tournée médiatique mondiale pour « The Ides of March ». Il faut dire qu’ils sont talentueux, photogéniques et « bankable ».

Ryan Gosling a choisi des rôles difficiles dès son début de carrière (dont le très dur « The Believer »), même si c’est la bluette « The Notebook » qui a fait sa gloire. Par contre, George Clooney revient de très loin. L’ancien Docteur Ross d’ « Urgences » est désormais le réalisateur de trois films élégants et intelligents – avant « The Ides of March », il y a eu « Confessions of a Dangerous Mind » et « Good Night, and Good Luck ».

Le choix du sujet est étonnant quand on connaît l’engagement politique de George Clooney et son soutien à Obama. Le film fait beaucoup penser à la campagne d’Obama (même si la pièce de théâtre originale s’inspirait en fait de la campagne d’Howard Dean) : Chicago est remplacé par une autre ville du Midwest, Cincinnati, le poster est calqué sur le « Hope » coloré d’Obama, et il y a une ressemblance dans les discours du candidat fictif et du Président actuel. Pour la petite histoire, Obama était en train d’écouter George Clooney parler lors d’une conférence de presse sur le Soudan quand la photo du poster « Hope » a été prise ! Mais Clooney réalisateur n’a pas choisi la facilité, et démontre que les Démocrates peuvent être aussi manipulateurs que les Républicains pour gagner une élection. Le cynisme du film donne une réponse à tous ceux qui demandent à Clooney s’il souhaite briguer un mandat local : « The Ides of March » laisse à penser qu'il éprouve une certaine défiance envers le système électoral.

Comme d’habitude, Gosling et Clooney sont parfaits dans leurs rôles. Clooney joue sur son registre habituel de séducteur malin, et Gosling continue à être versatile. Seule incohérence : les bras bodybuildés de Gosling ne sont très appropriés pour le rôle du consultant politique ! Je craignais que la romance avec la stagiaire (Evan Rachel Wood) ne soit incluse que pour rééquilibrer la présence féminine à l’écran, mais l’histoire prend une tournure sombre qui est bienvenue. Les autres seconds rôles ne sont pas non plus négligés : Marisa Tomei, Philip Seymour Hoffman et Paul Giamatti forment une belle brochette !

Les Ides de Mars, c’est le jour où Jules César a été assassiné par les conjurés menés par Brutus. En voyant le film, on comprend pourquoi Clooney a préféré ce titre au titre original de la pièce dont le film est adapté, « Farragut North » (du nom de la station de métro de Washington DC autour de laquelle sont concentrés de nombreux cabinets de lobbying et conseil politique). Mais visiblement, les distributeurs français ont jugé que le public français n’était pas assez intelligent pour un tel titre (ou pour une recherche Google), et ont préféré le très premier degré « Les marches du pouvoir », ce qui n’est pas sans rappeler « State of Play » transformé en « Jeux de pouvoir ».

« The Ides of March » est un film très classique, qui n’apporte rien de nouveau au cinéma américain, mais le sujet ancré dans son temps est traité avec succès. Bien rythmé, le film a défilé à toute vitesse.

A voir !

« The Descendants » (2011) : mon père ce anti-héros

2011-10-18T20:32:00.002-04:00

Le pitch : Matt King (George Clooney), avocat à Hawaï, n’a jamais été très impliqué dans l’éducation de ses deux filles. Quand sa femme tombe dans le coma suite a un accident, il ne peut plus se permettre d’être le « back-up parent ».

Au début du film, le personnage de Clooney essaie de nous prouver que la vie est dure, même à Hawaï : il y a des tours, des embouteillages, de la pauvreté… Le reste du film nous prouve exactement le contraire : l’eau est bleu turquoise, les personnages passent leur temps en maillot de bain ou short, et chaque maison a ses palmiers ! « The Descendants » est encore plus efficace qu’une pub de l’office du tourisme. Alexander Payne, le réalisateur, a lui-même vécu a Hawaï, et a dit lors du NYFF qu’il avait essayé de représenter de manière fidèle ce mélange de générosité et de méfiance envers les non-natifs qui caractérise les Hawaïens.

Par rapport au surestimé « Sideways », « The Descendants » est une nette amélioration. L’histoire d’une famille affrontant un coma est difficile, et donne lieu a quelques scènes émouvantes, mais le film trouve un parfait équilibre entre drame et comédie. Les meilleurs dialogues comiques reviennent au petit ami de la fille ainée, un jeune homme aux capacités intellectuelles limitées. C'est aussi une belle réflexion sur l'héritage, à la fois génétique et patrimonial.

George Clooney, qui continue à se bonifier avec l’âge, n’avait jamais eu un rôle aussi mature et aussi loin de la séduction. Il s’aventure même dans le ridicule quand son personnage s’échappe de sa maison en courant. Les autres acteurs sont tout aussi remarquables, à commencer par les jeunes acteurs prometteurs interprétant les deux filles et le petit ami : Shailene Woodley, Amara Miller et Nick Krause.

« The Descendants » est donc un très bon film, mais il lui manque quelque chose pour être exceptionnel et laisser une empreinte. De plus, la fin de l’histoire est très convenue : la décision autour de l’avenir du patrimoine familial était évidente dès le début du film.

J’ai vu ce film en clôture du NYFF : Alexander Payne a dit quelques mots en introduction, et l’équipe du film était présente après la séance pour se faire applaudir, mais il n’y a malheureusement pas eu de Q&A. Pour la deuxième fois après « A Dangerous Method », cela m’a déçue de la part du Lincoln Center. Cela fait malgré tout plaisir d'avoir pu voir brièvement les acteurs.

Allez voir « The Descendants » !

NYFF 2011 Forums : Antonio Banderas, Wes Anderson, Pedro Almodovar

2011-10-16T22:16:00.002-04:00

Dans le cadre du NY Film Festival, des rencontres gratuites avec des personnalités du cinéma étaient organisées. Voici un aperçu de ce qui a retenu mon attention.

Antonio Banderas

Après la rencontre avec les membres du comité de sélection des films du NYFF, je suis allée voir Antonio Banderas à l’Apple Store de l’Upper West Side. Quand il n’est pas à Los Angeles, Banderas vit dans mon quartier avec sa femme Melanie Griffith, et ils ont ici la réputation d’être des gens simples et sans histoires. Cette simplicité saute aux yeux quand on est face à Banderas : il a un physique très ordinaire (pas très grand, cheveux grisonnants), s’habille en pull et jean, et semble avoir les pieds sur terre dans ses propos. Mais on comprend qu’il a réussi sa vie quand il parle d’Eva (Longoria), Salma (Hayek), et du petit diner de fundraising qu’il va bientôt organiser chez lui pour Obama.

Banderas a beaucoup parlé de « La piel que habito » (il était là pour ça) et de sa collaboration avec Almodovar. Il a raconté qu’avec Almodovar, il faut toujours faire confiance les yeux fermés (« you have to take a leap of faith »), et que ce film a pris des années à se concrétiser. Il a aussi expliqué que pour lui, l’écran géant présent dans la chambre de son personnage est un écran de cinéma, créant ainsi une mise en abîme : le docteur Ledgard, c’est Almodovar lui-même ! Almodovar lui a dit qu’il faut se prendre pour Dieu quand on est cinéaste, et « La piel que habito » est un film de création. Ensuite, Almodovar lui a interdit de faire des clins d’œil au public comme Hannibal reniflant Clarice dans « Le silence des agneaux », bien que le docteur soit clairement un psychopathe qui va au-delà de la vengeance. Enfin, pour décrire le film, il a employé les mots « survie » et « identité »… ou « survivre à son identité » !

Je vous épargnerai tous les détails sur ses anecdotes de tournage de « Desperado » et de « Puss in Boots », et préfère passer directement à ce qui m’a le plus intéressée dans ce que Banderas racontait : sa scène préférée au cinéma est celle où Guido (Marcello Mastroianni) voit toutes les personnes qui ont marqué sa vie se réunir en cercle sur la musique de Nino Rota. Antonio Banderas a confié avec les yeux pétillants et émus que parfois, il imagine tous ses personnages de cinéma (Zorro, Puss in Boots, El Mariachi…) se tenir la main et former un cercle sur cette musique. On est face à un acteur authentique et vraiment passionné par son métier.

Wes Anderson

Quelques heures après Antonio Banderas, c’est Wes Anderson qui est venu à l’Apple Store. Et là, grand contraste : Wes Anderson, c’est Willy Wonka. Il est grand, doux, fantasque, avec une pointe de cynisme, et aussi un petit peu effrayant avec son visage tout lisse à 42 ans. Comme le prouvent ces films décalés, il n’appartient pas à notre monde (et c’est un compliment).

Wes Anderson était de passage pour les 10 ans de « La famille Tenenbaum », présenté à l’époque au NYFF. Il a raconté ses débuts avec Owen Wilson, chacun ayant emprunté un peu d’argent à son père respectif pour financer leur premier court métrage. Il a beaucoup parlé du casting de « La famille Tenenbaum ». Il avait spécialement écrit le rôle du père pour Gene Hackman, et a dû le harceler pour qu’il accepte le rôle. Lors du tournage, Hackman a été difficile, refusant de rejouer la même scène plusieurs fois, ou d’être présent sur le plateau avant et après sa scène. Lorsque le modérateur lui a demandé si Hackman serait là ce soir pour la séance d’anniversaire du film, il a dit « nooonnn » comme si c’était une évidence.

Ce que j’ai appris après la rencontre avec Anderson, c’est que Gene Hackman a été bien pire que « difficile » sur le tournage : il a insulté à plusieurs reprises Anderson, a été odieux avec toute l’équipe, et n’a jamais plus donné de nouvelles après. L’équipe a vendu la mèche lors des Q&A après la séance. Même Gwyneth Paltrow et Angelica Huston étaient terrifiées par Hackman !

Pedro Almodovar

Le rendez-vous avec Almodovar était fixé dans un petit amphithéâtre d’une cinquantaine de places au Lincoln Center, et, bien qu’étant arrivée 1 heure en avance, je me suis retrouvée dans une très longue file d’attente. A ma plus grande déception, les entrées ont été stoppées environ 10 personnes avant moi. Je m’apprêtais à repartir bredouille vers un écran de retransmission quand Almodovar, dans un tourbillon de bonne humeur et spontanéité, est venu dire bonjour, serrer des mains, embrasser les gens et poser pour des photos avec les fans !

Le débat avec Almodovar a été très décousu, ce qui n’est pas surprenant lorsque l’on voit ses films : il passait de l’anglais à l’espagnol en milieu de phrase, sautait d’un sujet à l’autre… Il a expliqué qu’il tenait un carnet où il notait toutes ses idées, et qu’il a en ce moment plusieurs idées sur lesquelles il réfléchit en parallèle. Il a aussi dit qu’il s’y connait beaucoup plus en musique et littérature qu’en cinéma, et qu’il aimerait aller au-delà d’utiliser la musique d’Amérique Latine : il aimerait beaucoup y tourner.

C’est d’ailleurs pour cela que dans « La piel que habito », la mère (Marilia) jouée par Marisa Paredes et son fils Zeca sont brésiliens. C’est aussi parce qu’elle n’a pas d’ici que Marilia voit plus clairement les choses, et ne cesse de prédire ce qu’il va se passer tout au long du film.

Les choses ont dérapé quand il a dit « par contre, le Japon est bien le dernier endroit où j’aimerais tourner », provoquant l’hilarité générale ! Continuant de s’enfoncer, il a dit qu’il ne supportait pas que les gens ne s’y regardent pas dans les yeux, et qu’il avait entendu l’histoire d’un homme étant mort dans le métro sans que personne ne s’aperçoive de la rigidité de son corps. Puis, réalisant qu’il n’était plus tout à fait politiquement correct, il s’est tourné vers une fille et lui a dit : « excusez-moi, j’espère que vous n’êtes pas japonaise » (elle était philippine, encore raté) !

Aujourd’hui, en sortant de la soirée de clôture du NYFF, j’ai à nouveau vu Pedro Almodovar, cette fois par hasard. J’espère que les occasions continueront à se présenter !

« La piel que habito » (2011) : docteur m’abuse

2011-10-16T14:12:00.002-04:00

Le pitch : Robert Ledgard (Antonio Banderas), qui a perdu sa femme et sa fille, travaille sur une peau artificielle résistant à toutes attaques. Son cobaye non consentant est Vera (Elena Anaya), une jeune femme mystérieuse.

J’avais très envie de voir « La piel que habito » depuis la première affiche et les échos de Cannes. Pourtant, tout le monde disait – à Cannes puis lors de sa sortie en France – que c’était un film imparfait, avec une première moitié trop longue, mais aussi avec un rebondissement spectaculaire. Ce rebondissement, je l’ai deviné immédiatement, sans avoir vu la moindre image du film : je suppose que mon esprit est trop habitué à l’univers d’Almodovar, et plus généralement aux rebondissements de cinéma (j’avais également deviné le twist de « Shutter Island ») !

Inutile de préciser que « La piel que habito » perd 80% de son intérêt lorsqu’il n’y a pas l’effet de surprise ! Au moins, j’ai pu immédiatement voir le deuxième degré de lecture dans la première partie du film. Les personnes qui assistaient à ma séance n’avaient visiblement rien deviné : à plusieurs reprises, il y a eu des réactions très fortes dans la salle, y compris un homme hurlant « oh sh*t !!!! » lors d’une scène clé.

Malgré un scénario moyennement convaincant et plutôt malsain, cela fait plaisir de retrouver l'univers fascinant d’Almodovar : les petites touches de rouge parsemées dans la plupart des scènes, la musique entêtante, les mélanges des genres, les meurtres… Au fil des années, son style devient plus épuré (allant jusqu’à la froideur clinique ici), mais les personnages sont toujours autant dysfonctionnels.

J’ai apprécié que « La piel que habito » évite habilement toute représentation manichéenne des personnages : les bourreaux sont aussi victimes, et vice versa. Antonio Banderas est excellent, et comme il l’a expliqué lors du forum du NYFF (plus de détails ici), Almodovar lui a interdit de faire des clins d’œil au public qui indiqueraient clairement les intentions de son personnage.

Après les demi-teintes d’ « Etreintes brisées » et « La piel que habito », à quand le prochain coup de maître du grand Pedro ?

« The Artist » (2011) : les temps modernes

2011-10-15T18:56:00.006-04:00

Le pitch : George Valentin (Jean Dujardin), héro du cinéma muet, voit sa carrière brutalement s’arrêter face à l’arrivée des premiers films parlants et son refus de participer à cette évolution. Pendant ce temps, son admiratrice Peppy Miller (Bérénice Bejo) devient une grande star.

Comme l’a dit Richard Peña lors de la séance au NYFF, il n’y avait que les Français pour faire un film américain muet et en noir et blanc ! Michel Hazanavicius a répondu qu’il n’imaginait pas un film sur cette époque autrement qu’en noir et blanc et en format 1.33 : 1 (autrement dit, le format 3x4)… et que de surcroît, cela met considérablement en valeur les acteurs lors des gros plans.

Tout le buzz de Cannes est fondé : c’est un très beau film, et un grand hommage au « old Hollywood » - aux films muets bien sûr, mais aussi aux grands classiques comme « Citizen Kane ». Il est servi par un casting improbable mais réussi : Jean Dujardin, Bérénice Bejo, John Goodman, James Cromwell, Malcolm McDowell, Penelope Ann Miller… Ces acteurs ont été réunis par la magie du muet, puisque les acteurs américains ne parlent pas français et Jean Dujardin ne parle pas anglais. Lors du débat suivant le film, il a dû venir avec son interprète !

Mais à l'image de « Beginners », la vraie star du film, c’est le petit Jack Russell Terrier ! Jean Dujardin a dû être très vexé, car la plupart des questions du public lors du débat faisaient référence au chien ! Michel Hazanavicius a raconté qu’il avait eu besoin d’un gros budget saucisses pour que le chien aille d’un point A à un point B. Mais comme il l’a également souligné dans une interview, le chien n’est rien sans l’acteur : c’est un duo comique qui fonctionne à merveille, et le visage expressif de Dujardin est parfait pour le muet.

C’est donc un long chemin qu’à effectué Dujardin des « Nous C Nous » au prix d’interprétation à Cannes, en passant par « Un gars, une fille » et « OSS 117 ». Harvey Weinstein compte bien embarquer « The Artist » dans la course aux Oscars, et Jean Dujardin est évoqué comme un prétendant sérieux, mais son anglais inexistant (« Sorry I’m so French », comme il nous l’a dit) sera un gros handicap pour séduire les journalistes au cours des « press junkets ». Marion Cotillard s’était pour sa part mise à l’anglais de manière intensive lors qu’elle cherchait à décrocher sa statuette.

Si « The Artist » est convaincant, il n’échappe pas à quelques longueurs : mes yeux commençaient à se fermer avec de plus en plus d’insistance vers le milieu du film. Passé ce coup de mou, le rythme se rétablit, et la fin est particulièrement charmante avec un bel hommage à Fred Astaire and Ginger Rogers.

Allez voir cet ovni français !

« Sang pour sang » (1984) : le rouge et le noir

2011-10-13T21:43:00.001-04:00

Titre original : « Blood Simple »

Le pitch : Abby (Frances McDormand) trompe son mari avec Ray (John Getz), ce qui provoque la fureur de son mari (Dan Hedaya). Ce dernier engage un détective privé (M. Emmet Walsh) pour se débarrasser du couple.

J’ai vu 12 des 15 longs métrages des frères Coen, et pourtant, il me manquait le plus important. « Sang pour sang » est non seulement le premier film du duo, mais aussi le plus emblématique de leur cinéma. C’est un hommage aux grands films noirs, avec sa femme fatale, son mari jaloux, son détective, et une arme qui se balade mystérieusement.

Comme l’annonce d’entrée le titre, c’est un film sanglant, et les morts sont lentes et douloureuses (quoi de pire qu’un enterré vivant !). L’histoire s’annonce plus complexe qu’on pourrait le penser à première vue, et certains rebondissements sont surprenants. On y trouve aussi le cynisme qui est devenu la marque de fabrique des frères Coen : le rôle le plus amusant revient au détective privé et sa nonchalance texane.

« Sang pour sang » confirme donc qu’Ethan et Joel Coen réalisent leurs meilleurs films dans leur univers de prédilection, la noirceur au second degré (outre « Fargo », citons « No Country for Old Men », qui m’avait un peu dérangée par son nihilisme). Ils sont beaucoup moins bons quand ils tentent la comédie plus légère, comme « O’ Brother » ou « Intolérable cruauté ».

Côté people, Frances McDormand a auditionné pour ce film parce que sa colocataire Holly Hunter avait dû renoncer au rôle : c’est ainsi qu’elle a épousé Joel Coen et a continué à collaborer avec les frères au fil des années.

« Sang pour sang » mérite d’être vu, mais mon film préféré reste « Fargo », qui a valu l’Oscar de la meilleure actrice à Frances McDormand.

« Shame » (2011) : New York, New York

2011-10-09T22:47:00.005-04:00

Le pitch : Brandon (Michael Fassbender), New Yorkais travaillant dans le marketing viral, est accro au sexe. L’arrivée de sa sœur Sissy (Carey Mulligan) chez lui perturbe son environnement.

Je suis allée voir ce film au NYFF sans rien savoir de l’histoire, à part qu’il s’agissait du nouveau film de Steve McQueen (après « Hunger ») avec Michael Fassbender et Carey Mulligan. Quand j’ai lu les premières critiques de la Mostra de Venise, parlant d’un film froid sur fond d’addiction sexuelle, j’avoue avoir écarquillé les yeux et m'être demandé si j'avais eu une bonne idée en achetant mes tickets !

La surprise a été excellente : certes, c’est un film difficile, avec quelques scènes et dialogues brutaux. Mais c’est aussi un film qui fait beaucoup réfléchir sur les addictions en général, à la manière de « Requiem for a Dream ». Cela fait plusieurs jours que j’ai vu « Shame », et je continue encore à me demander ce qui a bien pu se passer dans la famille de Brandon et Sissy avant le film. Au cours du débat ayant suivi le film, McQueen a expliqué qu’il voulait créer non pas du mystère mais plutôt de la familiarité envers ce passé implicite.

C’est aussi un film sur New York, ce qui s’est fait par hasard : Steve McQueen voulait le faire a Londres, mais essuyait des refus, et seul New York a accepté cette histoire crue. « Shame » met en scène Midtown, le Meatpacking District et le Lower East Side. La station « 28th street » a un rôle à part entière ! Carey Mulligan (ou sa doublure voix) offre une très belle réinterprétation de la chanson « New York, New York ». Comme l’a expliqué Steve McQueen, on pense souvent que c’est une chanson gaie en raison des versions de Liza Minnelli et Franck Sinatra, mais on réalise qu’il s’agit d’un blues en écoutant les paroles attentivement.

Difficile de ne pas voir un parallèle avec « American Psycho » : dans les deux cas, on suit un yuppie (ou néo-yuppie pour Brandon) ayant des troubles psychologiques. Michael Fassbender me fait également beaucoup penser à Christian Bale : un immense talent, des choix de rôles difficiles, et un don particulier pour les transformations et les accents. Tous deux vieillissent également de manière accélérée, ce qui est toujours surprenant a Hollywood : Bale n’avait que 26 ans au moment du tournage d'« American Psycho » (et en paraissait 35), et Fassbender n’a que 34 ans cette année (et en parait plus de 40). Fassbender a eu le prix d’interprétation à la Mostra de Venise, et il a selon moi toutes ses chances aux Oscars, si les membres de l’Académie ne sont pas trop effrayés par le film.

Comme l’a souligné le modérateur du débat, il est intéressant de comparer les rôles de Fassbender dans « A Dangerous Method » et « Shame », projetés à 48h d’intervalle au festival. Fassbender a dit qu’il sortait complètement de ses films après les tournages et n’avait pas fait le lien, mais il y a clairement une continuité entre ces deux personnages aux pulsions sexuelles difficiles à contrôler.

Au-delà de son talent, Michael Fassbender a quelque chose de réellement fascinant quand on le voit « en vrai », et toutes les femmes sont folles de lui : le phénomène est intéressant à observer. Steve McQueen est également un personnage charismatique qui mérite d’être vu et écouté, à l’image d’un James Gray : il est bouillonnant d’énergie, passionné par ce qu’il fait, et a beaucoup d’humour : un vrai contraste avec ses films sombres !

Pendant les Q&A, les questions de la nudité et de l’addiction au sexe ont bien sur été abordées. Michael Fassbender a d’abord plaisanté sur le fait qu’il s’était entrainé de manière… « terrain », puis a avoué plus sérieusement que n’étant pas un exhibitionniste, le tournage avait parfois été difficile. Quant à Steve McQueen, il a reconnu que le sujet l’avait fait rire au départ, avant d’enquêter auprès de personnes malades : comme il le dit très bien, tout le monde rit quand son collègue de travail a un peu trop bu à la soirée corporate de Noel, mais cela devient tragique lorsqu’on apprend que ce collègue consomme deux bouteilles de vodka par jour.

A la fin de la projection, les 1000 personnes présentes dans le Alice Tully Theater ont longuement applaudi l’équipe du film. Je vous recommande vivement d’aller voir « Shame » à sa sortie, et je vais de mon côté donner une seconde chance a « Hunger », que j’avais abandonné au bout de 10 minutes par manque d’intérêt !

J’hésite beaucoup entre 3 et 4 étoiles : la vérité se situe sûrement à 3,5, mais ne faisant pas de demi-notes, je vais être généreuse !

« A Dangerous Method » (2011) : folie douce

2011-10-08T11:12:00.002-04:00

Le pitch : Carl Jung (Michael Fassbender) décide de tester les méthodes de Sigmund Freud (Viggo Mortensen) sur une patiente intelligente mais très perturbée, Sabina (Keira Knightley). C’est la naissance de la « psycho-analyse ».

Première surprise en allant voir ce film au NY Film Festival : ce n’est pas un film sur Freud, contrairement à ce qu’on a pu entendre, mais sur Carl Jung.

Deuxième surprise : si j’étais allée voir « A Dangerous Method » sans savoir qui est le réalisateur, je n’aurais jamais pensé à David Cronenberg ! C’est le film typique des Oscars : style académique, biographie de grandes figures de l’histoire, en costumes. C’est un film élégant, avec de somptueuses vues du lac Constance en Suisse et des jardins du Belvédère à Vienne.

Il y a d’ailleurs fort à parier sur des nominations – voire victoires – aux Oscars pour Viggo Mortensen et Keira Knightley. Keira Knightley, interprétant une Sabina Spielrein à la fois folle et clairvoyante, n’avait jamais obtenu un rôle aussi puissant. Viggo Mortensen est méconnaissable : son visage est empâté, et sa diction viennoise rappelle celle de Christopher Waltz, qui a fait la grave erreur de refuser le film (en faveur de « Water for Elephants », de surcroit !).

A y regarder de plus près, il y a une cohérence dans la filmographie de Cronenberg : une fois de plus, il s’intéresse aux méandres du cerveau humain. Dans « eXistenZ », un cordon planté dans la colonne vertébrale manipulait l’esprit : ici, c’est la psychanalyse qui joue ce rôle.

Outre le fait de découvrir la vie de Carl Jung et sa rivalité avec Freud, j’ai trouvé passionnant de voir l’arrivée du nazisme en subtile toile de fond. Jung est suisse, riche et « aryen » ; Freud est autrichien, plus modeste et juif. Ils connaitront des trajectoires très différentes à cause de la guerre.

Bien qu’académique, « A Dangerous Method » n’est absolument pas ennuyeux, à tel point que j’aurais aimé voir le film se prolonger lorsque le générique de fin est apparu.

David Cronenberg, Michael Fassbender, Christopher Hampton (scénariste) et Jeremy Thomas (producteur) étaient présents avant et après le film. Cronenberg a fait un petit discours en introduction, mais il n’y a malheureusement pas eu de Q&A après le film. Cela a déçu toute la salle, non seulement parce que c’était une séance de gala, mais aussi parce qu'on n'a pas souvent la chance de pouvoir écouter Cronenberg. Sa timidité l’a peut-être réfréné d’échanger avec le public !

Un film à voir !

« La rose pourpre du Caire » (1985) : en chair et en os

2011-10-06T08:14:00.000-04:00

Titre original : « The Purple Rose of Cairo »

Le pitch : Cecilia (Mia Farrow) est déprimée entre le contexte économique morose des années 30 et un mari peu aimant. Elle se réfugie régulièrement au cinéma, et va voir à plusieurs reprises le film du moment, « La rose pourpre du Caire ». Un jour, l’un des acteurs principaux (Jeff Daniels) sort de l’écran.

Je ne suis pas une grande admiratrice de Woody Allen : sa production industrielle d’un film par an est inégale et souvent surestimée par les critiques. J’ai donc pris les critiques dithyrambiques de « La rose pourpre du Caire » avec beaucoup de pincettes !

C’est au final un film agréable et un bel hommage à l’amour du cinéma, qui n’est pas sans me faire penser à « Midnight in Paris » pour son côté fantastique et ses costumes d’époque élégants.

Selon la tradition, le personnage principal est névrosé : c’est Mia Farrow qui endosse ce rôle. Cela confirme que les meilleurs films de Woody Allen sont ceux où il n’apparaît pas à l’écran : « Coups de feu sur Broadway », « Match Point », « Whatever Works »… Toutefois, c’est un personnage faible, heureusement contre-balancé par l’assurance de Jeff Daniels.

J’ai donc bien aimé, et il y a des scènes amusantes autour du concept du héros de cinéma qui ne comprend pas la vie réelle (il a de faux billets, pense qu’il y a un « fade out » après chaque baiser…), mais ce n’est pas un film qui m’a marquée ou m’a fait réfléchir.

« Melancholia » (2011) : apocalypse now

2011-10-04T18:52:00.002-04:00

Le pitch : tandis que la planète Melancholia se rapproche dangereusement de la terre, Justine (Kirsten Dunst) célèbre son mariage. Elle se sent de plus en plus affectée par l’approche de la planète : lorsqu’elle tombe malade, elle part habiter avec sa sœur Claire (Charlotte Gainsbourg) et son mari John (Kiefer Sutherland).

Je préfère annoncer la couleur : j’ai toujours été allergique aux films de Lars von Trier. « Dogville » reste l’un de mes pires souvenirs dans les salles obscures. Ce n’était pas surprenant que ce réalisateur imperméable ait de bons échos a Cannes, mais je me suis pris d’intérêt pour « Melancholia » quand les critiques et certains de mes amis ont commencé à en dire du bien.

Les premières images m’ont fait craindre le pire : Lars von Trier nous rejoue le passage insupportable de « The Tree of Life » avec planètes sur fond de musique classique. Une fois passé ce moment difficile, « Melancholia » se laisse regarder, malgré des mouvements de caméra agaçants.

Par rapport à tout ce que Lars Von Trier a pu faire auparavant, c’est un chef d’œuvre. Par rapport à la moyenne des films sortant en salles, c’est tout juste correct. Le principal défaut du film est d’être trop long avec 2h15 : il y avait 30 minutes à couper.

Le meilleur moment du film n’a donc pas été la projection, mais l’arrivée des acteurs pour un débat : Kirsten Dunst, Charlotte Gainsbourg et Alexander Skarsgård étaient présents au NY Film Festival. Sans surprise, Lars von Trier n’a pas fait le déplacement : il n’est plus en odeur de sainteté dans les festivals depuis ses déclarations vaseuses sur le nazisme à Cannes.

L’atmosphère du débat était étrange, et on imagine bien un tournage tendu. Les trois acteurs ont bien entendu dit qu’ils avaient adoré travailler sur ce film (le contraire aurait été étonnant), mais Charlotte Gainsbourg a reconnu que les différentes prises de ses dernières scènes étaient pénibles, et tous ont dit qu’ils n’aimeraient pas jouer à nouveau ces personnages. Concernant les choix vestimentaires, Charlotte Gainsbourg a également dit qu’elle avait manifesté pendant le tournage une opposition à la robe qu’elle porte pendant le mariage, mais qu’elle n’avait pas été écoutée. Alexander Skarsgård était encore plus cynique, plaisantant sur le fait qu’il n’a pas le luxe de changer de tenue dans le film et qu’il disparait brutalement dans la première moitié. Pour la petite histoire, Kirsten Dunst a raconté qu’Alexander Skarsgård garde sa chemise pendant une scène dans la chambre parce que Lars von Trier le trouvait trop parfait sans chemise !

Lors d’un autre débat la semaine dernière, le comité de sélection du NYFF avait noté deux grandes tendances dans les films visionnés pour le festival : le thème de l’apocalypse, et un mode narratif en deux parties. « Melancholia » cumule les deux tendances, et a donc le mérite d’être un film très ancré dans son temps.

Puisque c’est un film qui divise, je vous conseille de le voir pour vous faire votre propre opinion.

NYFF 2011 : « indieWIRE Meets: The NYFF Selection Committee »

2011-10-04T18:32:00.000-04:00

En parallèle des séances et de quelques rencontres payantes, le New York Film Festival a eu la bonne idée d’organiser une série de forums gratuits apportant des éclairages supplémentaires sur des thèmes, films ou acteurs.

En ouverture, le comité de sélection est venu à la rencontre du public. Il est composé de critiques de film (par exemple de « Village Voice » ou « The Hollywood Reporter ») et de responsables de la programmation de la Film Society du Lincoln Center.

Le NY Film Festival fêtera l’année prochaine ses 50 ans, mais c’est un petit festival par rapport à Cannes ou Toronto. Cette année, seuls 27 films sont en compétition. Les méthodes de sélection sont très artisanales, et ont surpris toutes les personnes assistant au forum : Richard Peña regarde personnellement 2000 films (oui, 2000, ce n’est pas une faute de frappe !), et les filtre pour descendre à une centaine, puis la totalité du comité de sélection regarde la centaine de films restants.

Richard Peña a expliqué que, sans citer de nom, d’autres festivals ne se donnaient pas la peine de visionner tous les films dès lors qu’il y avait des noms connus à l’affiche.

Le processus de sélection commence à l’époque de la Berlinale, en février, et se termine vers l’été. Certains films se portent candidats, et certains sont démarchés par le comite de sélection quand ils sont repérés dans un autre festival. Les réalisateurs et distributeurs doivent parfois accepter de retarder la sortie du film en salles pour pouvoir participer au festival.

Je dois dire que cette petite bande du comité de sélection est bien sympathique, et sait garder une proximité avec le public.

« The Loneliest Planet » (2011) : qu’elle était verte ma vallée

2011-10-02T19:49:00.006-04:00

Le pitch : Nica (Hani Furstenberg) et Alex (Gael Garcia Bernal) forment un couple très amoureux qui s’aventure dans les montagnes du Caucase en Géorgie. Un incident porte un coup brutal à leur relation.

Je suis allée voir ce film dans le cadre du New York Film Festival sans savoir à quoi m’attendre : j’avais seulement lu la brève description du programme du festival, et comptais sur l’intelligence de Gael Garcia Bernal pour bien choisir ses rôles.

Soyons clairs : si j’avais été devant un DVD, j’aurais accéléré. En près de 2 heures de film, il ne se passe quasiment rien, et le film comporte très peu de dialogues. On attend le fameux incident pendant bien 1 heure, il est décevant, et n’est suivi d’aucune tentative d’explication.

La cinématographie est par contre très réussie : la Géorgie est filmée à merveille, et la réalisatrice Julia Loktev (connue pour « Day Night Day Night ») a expliqué pendant la séance de Q&A que l’équipe du film a réellement fait une randonnée et dormi dans les montagnes.

Gael Garcia Bernal a un rôle étonnamment en retrait, preuve qu’il n’a pas pris la grosse tête après plusieurs années de célébrité. Mais la grande révélation du film est Hani Furstenberg, actrice israelo-américaine au visage russe : son interprétation est lumineuse et toujours très juste. Julia Loktev use et abuse des plans de dos qui laissent la part belle à la chevelure flamboyante de l’actrice. D’après les Q&A, le tournage a été difficile pour Hani Furstenberg, qui n’est pas une aventurière dans l’âme et a le vertige. D’ailleurs, Julia Loktev a pointé du doigt l’actrice habillée dans une tenue courte et moulante et a dit, « this is the real Hani » !

Je suis contente d’avoir découvert une réalisatrice et une actrice ayant toutes deux un réel talent, mais je ne vous recommande absolument pas de voir ce film dont la moitié des scènes auraient pu être coupées ! A en croire l’attitude et les commentaires des spectateurs après le film, mon avis est partagé.

« Peggy Sue s’est mariée » (1986) : retour vers le passé

2011-10-02T15:01:00.000-04:00

Titre original : « Peggy Sue Got Married »

Le pitch : Peggy Sue (Kathleen Turner) assiste à une soirée célébrant les 25 ans de sa promo du lycée. Angoissée à l’idée de revoir tous ses camarades de classe, et élue reine de la soirée comme en 1960, elle fait un malaise et se retrouve transportée à l’époque du lycée.

Le génie de Coppola est de savoir se réinventer à chaque film. Avec « Peggy Sue », comédie légère, on est bien loin du « Parrain » ou de « Dracula » !

Le casting est étonnant : on y voir Kathleen Turner, Nicolas Cage, Sofia Coppola, Helen Hunt, Joan Allen et Jim Carrey avant qu’ils ne soient devenus célèbres. Kathleen Turner y trouve un rôle de midinette aux antipodes de ses rôles suivants de femme forte à voix rauque, Nicolas Cage joue un crooner raté peroxydé, et Sofia Coppola prouve quelques années avant le désastre du « Parrain III » qu’elle est une bien mauvaise actrice.

Le problème de ce film est son scénario : à l’époque, les histoires de voyages dans le temps étaient relativement nouvelles (après « Retour vers le futur » en 1985), mais on a depuis vu « Big » (1988) ou encore « 13 Going on 30 » (2004), et fait une overdose de ce type d’histoire. De plus, à 32 ans, Kathleen Turner n’est pas très crédible en lycéenne de 17 ans !

En bref, il ne s’agit pas du meilleur film de Coppola, mais on passe un bon moment.

« Carnage » (2011) : l’enfer c’est les autres

2011-10-01T09:18:00.003-04:00

Le pitch : le fils de Nancy (Kate Winslet) et Alan (Christopher Waltz) a agressé le fils de Penelope (Jodie Foster) et Michael (John C. Reilly). Les deux couples se rencontrent pour signer une déclaration aux assurances et discuter de l’incident… mais la conversation dégénère.

Après la Mostra de Venise, « Carnage » a fait l’ouverture du New York Film Festival. Grosse déception d’entrée de jeu : il y avait 4 séances à des horaires rapprochés, et les membres de l'équipe présents (Jodie Foster, John C. Reilly et Yamisna Reza) ont uniquement fait le tapis rouge et, d'après les échos que j'ai pu avoir, dit bonjour au public d'1 seule séance. C’est toujours décevant quand les artistes jouent le jeu de la presse et non du public. Quand à Kate Winslet, elle préfère tout simplement son contrat pour vendre des montres : elle était à Shanghai pour une conférence de presse de Longines. J'excuse seulement Christopher Waltz, qui a fait une chute de cheval sur le tournage du dernier Tarantino et est actuellement hospitalisé.

J’avais lu des critiques plutôt bonnes mais avec quelques réserves, et je comprends cette opinion : c’est en effet « le film le plus rythmé jamais réalisé par un homme de 78 ans » (Hollywood Reporter), « très drôle » (The Playlist), mais également « un film de faible ambition » (The Playlist).

Les dialogues, nés de la collaboration entre Yamisna Reza et Roman Polanski, sont savoureux, et les quatre acteurs se donnent à 200%. Comme d’habitude, Christopher Waltz joue l’ordure et John C. Reilly le nounours amusant, mais Jodie Foster et Kate Winslet y trouvent de beaux contre-emplois, respectivement en harpie activiste et business woman stressée. Kate Winslet nous livre une scène d’anthologie lorsqu’elle vomit subitement sur la table de ses hôtes. J’ai lu récemment dans une interview qu’elle avait eu des difficultés techniques à tourner cette scène !

Le point fort du film (les dialogues ciselés du théâtre) est également son point faible : on sent bien qu’il s’agit plus de théâtre que de cinéma, et le huis-clos est parfois étouffant. On rit beaucoup et se laisse prendre par l’histoire (les commentaires à la sortie de la salle étaient très enthousiastes), mais « Carnage » est anecdotique dans la filmographie de Roman Polanski.

A noter que le film a été tourné non pas à Brooklyn mais dans des studios parisiens, Roman Polanski n’étant pas le bienvenu sur le territoire américain. Un monsieur m’a dit que sa femme avait refusé d’assister à la séance par haine envers Polanski.

Allez, sans rancune, il mérite quand même ses 3 étoiles : les comédies acides se font trop rares !

« Le voleur de bicyclette » (1948) : Rome ville pauvre

2011-09-30T17:21:00.003-04:00

Titre original : « Ladri di biciclette »

Le pitch : Antonio Ricci (Lamberto Maggiorani) obtient un emploi de colleur d’affiches à condition qu’il ait une bicyclette. Il va donc chercher la sienne au mont-de-piété, mais se la fait très vite voler. S’en suit une recherche effrénée dans Rome.

Le titre français est trompeur : « Ladri di biciclette » se traduit en fait par « voleurs de bicyclettes », révélant un peu plus la teneur du film.

Jamais une histoire de vélo n’aura été aussi dramatique ! C’est un film à la portée symbolique forte, représentant une Italie vaincue, pauvre et sans espoir. Les joues creuses d'Antonio et le regard triste de son fils en disent plus sur la situation que n'importe quel dialogue. « Le voleur de bicyclette » est considéré comme l’emblème du néoréalisme italien d’après-guerre, et comme l’un des plus grands films de tous les temps.

Bien que l’histoire du père et de son fils parcourant Rome soit touchante, je n’ai pas été impressionnée par ce film. Peut-être a-t’il juste mal vieilli, mais j’ai trouvé le scénario plus approprié pour un court métrage.

Antonio et Bruno Ricci sont interprétés par des acteurs amateurs, qui sont retournés à d’autres occupations après ce tournage. On aurait pourtant pu les imaginer en acteurs professionnels tant leur jeu est convaincant.

En bref, je suis désolée d’avouer que je me suis ennuyée face à ce grand classique.

Carte postale de New York

2011-09-30T08:32:00.002-04:00

Chris de Christoblog a eu la bonne idée de lancer une série "cartes postales", donnant la parole aux cinéphiles francophones expatriés. J'ouvre le bal avec un article sur l'accessibilité des salles de cinéma à New York, et plus généralement dans les grandes villes américaines.

La carte postale, c'est par ici !

Par ailleurs, attendez-vous à un certain nombre d'articles au cours des 15 jours à venir : le New York Film Festival commence aujourd'hui. Au programme, avant-premières ("Carnage" de Roman Polanski ce soir) et forums en présence de grands cinéastes et acteurs.

Bonne lecture !

« Moneyball » (2011) : l’argent ne dort jamais

2011-09-29T18:30:00.000-04:00

Le pitch : Billy Beane (Brad Pitt) est le general manager des Athletics, équipe de baseball d’Oakland, confrontée à une série noire avec 11 défaites consécutives. Avec l’aide des modèles économiques du jeune Peter Brand (Jonah Hill), il décide de changer profondément son équipe pour sortir de la spirale de la défaite.

« Moneyball » est une histoire vraie. Le vrai Billy Beane ne ressemble absolument pas à Brad Pitt, mais cela aurait été difficile de commercialiser un film sur le baseball (et encore plus l’équipe d’Oakland) sans le star power de Brad Pitt.

Tout le monde ne cesse de comparer ce film à « The Social Network » (le Washington Post a fait une très bonne analyse du sujet : cela peut paraître surprenant, mais les ressemblances sont bien présentes. Tous deux narrent des histoires de l’ « American Dream » et ses désillusions, et on reconnaît bien les dialogues nerveux et intelligents d’Aaron Sorkin.

Le sport en soi n’est pas le vrai sujet du film : on y parle surtout d’argent, et de cet incroyable troc des athlètes qui se joue en coulisses à n'importe quel moment de la saison, tel des enfants échangeant des billes. La question de la modélisation économique des joueurs est fascinante : comment un jeune diplômé de Yale ne connaissant rien au baseball peut constituer une équipe avec plus de succès que les « scouts » ayant consacré leur vie à ce sport ?

Les échanges entre Brad Pitt et Jonah Hill donnent lieu aux meilleures scènes du film, et le succès du film leur doit beaucoup. Brad Pitt prouve encore une fois qu’il est un excellent acteur et ne cesse de se bonifier avec l’âge, tandis que Jonah Hill a enfin une opportunité de sortir des blagues vaseuses des films d’Apatow. Au passage, les mauvaises langues disent que Jonah Hill a récemment fait un régime draconien non pas pour sa santé, mais par traumatisme d’avoir été à l’écran à côté de Brad Pitt !

Un des meilleurs films de la rentrée, à voir !

« Tangled » (2010) : la princesse et le voyou

2011-09-29T18:04:00.000-04:00

Le pitch : Bébé, Rapunzel (Mandy Moore) est kidnappée par la méchante sorcière qui utilise sa chevelure magique pour garder un visage juvénile. A 18 ans, ignorant tout de son sang royal, elle est prise de curiosité et s’échappe de sa tour.

Depuis des années, Disney lutte pour se moderniser tout en gardant les ingrédients qui ont fait son succès de « Blanche Neige » (1937) au « Roi Lion »(1994). Après une série décevante (« Hercule », « Pocahontas », « Lilo & Stitch »…), ils ont tenté un retour à l’animation 2D classique avec « La princesse et la grenouille » : j’ai personnellement beaucoup aimé, mais les résultats au box office ont été décevants. Disney en a conclu que « La princesse et la grenouille » était trop clairement orienté vers un public féminin, et qu’il fallait désormais axer les dessins animés à la fois sur filles et garçons.

Pour cette raison, le titre anglais retenu pour cette histoire de princesse est « Tangled » plutôt que « Rapunzel ». L’idée sous-jacente était d’attirer un public mixte avec une princesse moderne et forte tête, qui est l’égal de son prince charmant – un voyou pas très princier.

L’histoire est bien sympathique, et le film a reçu un très bon accueil, mais j’ai été un peu dérangée par le graphisme du film. Certes, il y a une grande attention aux détails, mais ces personnages aux grands yeux de mangas ne sont pas séduisants. La sorcière m’a fait penser aux visages inquiétants de « L’étrange Noël de Monsieur Jack » ou des « Noces funèbres ».

Disney n’a pas uniquement perdu ses beaux dessins au fil des années : la méchante sorcière est également devenue plus douce. A aucun moment elle n’égale la cruauté de la sorcière de Blanche Neige ou de Scar dans « Le Roi Lion ». Les anciens dessins animés Disney étaient magiques, mais ils terrifiaient également les enfants : dommage que cette tradition se soit évanouie.

« Drive » (2011) : impitoyable

2011-09-27T17:47:00.006-04:00

Le pitch : un conducteur hors pair (Ryan Gosling) partage son temps entre des cascades sur des tournages de films et des cambriolages. Les choses dégénèrent lorsqu’il aide le mari de sa voisine (Carey Mulligan) à rembourser ses dettes.

A première vue, « Drive » est un improbable prix de la mise en scène à Cannes : un film d’action sur un homme qui conduit, porté par le « it boy » du moment (Ryan Gosling), escorté d’une nunuche intello (Carey Mulligan) et d’une nunuche sexy (Christina Hendricks). Les premières images du film ne sont pas rassurantes : le réalisateur a choisi la police très cheap « Mistral » version rose bonbon pour l’affiche du film et le texte du générique.

Passé tous ces préjugés, « Drive » est une agréable surprise. C’est un néo-film noir, plus noir que ce que l’on pourrait penser en voyant la bande annonce. Pour vous donner une idée du degré de violence, Nicolas Winding Refn a sollicité l’aide de Gaspar Noé pour une scène qui semblera familière à ceux qui ont vu « Irréversible ».

Mais le sang chaud n’est pas incompatible avec l’intelligence. Le personnage de Ryan Gosling est tout en nuances, entre autisme, grand cœur et excès de violence. Dans la vraie vie aussi, Ryan Gosling se donne des airs de bad boys mais intervient spontanément dans la rue pour séparer des personnes se battant.

Le fond sonore électro pop (en grande partie réalisé par Cliff Martinez, ex-Red Hot Chili Peppers) m’a semblé déplacé dans un premier temps, mais c’est finalement un choix audacieux et réussi. La bande originale du film a d’ailleurs un très bon bouche à oreille actuellement.

Los Angeles est bien filmée, et Nicolas Winding Refn a reconnu que, face à l'embourgeoisement actuel de la ville (tendance SoHo à New York), il avait dû tourner dans les quartiers les plus délabrés pour créer cette atmosphère sombre et inquiétante.

Définitivement un film à voir si vous pouvez supporter quelques scènes difficiles !

« Restless » (2011) : à bout de souffle

2011-09-24T16:33:00.004-04:00

Le pitch : Enoch (Henry Hopper), jeune garçon réservé ayant un ami imaginaire, rencontre Annabel (Mia Wasikowska), jeune fille atteinte d’un cancer en phase terminale, lors d’un enterrement auquel ils assistent tous deux par fascination pour la mort. Ils deviennent proches, mais Annabel n’a plus que quelques mois à vivre.

J’attendais « Restless » avec impatience depuis le festival de Cannes, quand j’ai vu cette très belle bande-annonce pour la première fois. Les premiers échos que j’ai eus ces dernières semaines étaient également excellents, donc il s'annonçait comme le film de l’année.

Je suis tombée de haut. Gus Van Sant est capable du pire comme du meilleur, et malheureusement « Restless » me fait penser à « Last Days » : une bande-annonce fascinante (ici pour « Last Days »), un pitch alléchant (Kurt Cobain vs. les jeunes, l’amour et la mort), un acteur révélé au grand public (Michael Pitt vs. Henry Hopper)… qui se transforment en un film beau esthétiquement mais creux émotionnellement.

Je n’ai jamais réussi à entrer complètement dans l’atmosphère du film, et les deux dames derrière moi chuchotant leurs commentaires après chaque scène jusqu’à ce que je me fâche n’ont rien arrangé ! Je me suis depuis rendu compte que je ne suis pas la seule à émettre des réserves sur ce film : le NY Times n’est qu’à moitié convaincu, et le récapitulatif des critiques sur AlloCiné est contrasté : « le film le plus faible de son auteur » pour Libération, « dépourvu de surprises et d’émotion » pour Le Parisien, ou encore « film mineur » pour Première (qui a pourtant bien aimé).

Un point de l'intrigue m'a dérangée : Annabel est en phase terminale d'un cancer, mais elle est pleine de vie et plutôt en bonne santé, à part un petit passage d'urgence à l'hôpital. Le grand critique Roger Ebert, lui-même rescapé d'un cancer, l'a très bien souligné : une patiente ayant subi de la chimio devrait être beaucoup plus affaiblie.

« Restless » a toutefois le mérite de mettre en lumière deux acteurs extraordinaires, Mia Wasikowska et Henry Hopper. Mia Wasikowska, actrice à fleur de peau, continue son très beau parcours : son physique diaphane et sa sensibilité ne sont pas sans rappeler Alba Rohrwacher. Mais la révélation du film est Henry Hopper (fils de Dennis), dont c’est le premier grand rôle. Dans un film qui flirte avec le fantastique, c’est troublant de voir la réincarnation de Dennis Hopper à l’écran. Je suis curieuse de voir s’il arrivera à porter le poids de la légende de son père dans ses choix de rôles.

Je ne veux pas vous décourager d’aller voir « Restless », car chacun réagit de manière différente (cf. la critique de Christoblog, qui parle de chef d’œuvre), mais sachez que vous allez soit adorer soit détester !

« Hier, aujourd’hui et demain » (1963) : le couple à l’italienne

2011-09-22T01:02:00.001-04:00

Titre original : « Ieri, oggi, domani »

Le pitch : 3 histoires de couples (Sophia Loren et Marcello Mastroianni)… A Naples, une femme tente d’échapper à la prison en ayant des enfants tous les ans. A Milan, des amants se retrouvent pour une balade en voiture. A Rome, une prostituée fait tourner la tête d’un aspirant prêtre.

Jusqu’à présent, je n’avais jamais été déçue par Vittorio De Sica, et espérais bien continuer sur cette voie avec « Hier, ajourd'hui et demain », meilleur film étranger aux Oscars 1965. Hélas, par rapport au « Jardin des Finzi-Contini » et « Mariage à l’italienne », ce n’est pas un film significatif.

De Sica a la chance de voir son film porté par l’un des plus beaux couples de l’histoire du cinéma, Sophia Loren et Marcello Mastroianni, qui ont tourné ensemble à 14 reprises. Leur duo comique fonctionne à merveille, avec une dynamique constante dans les trois histoires du film : Sophia Loren joue la femme forte, tandis que Marcello Mastroianni est l’homme amoureux abusé (loin du goujat de « Mariage à l’italienne »).

La première histoire est la plus réussie : le personnage de Sophia Loren, plein d’énergie, cumule les grossesses pour échapper à la justice, tandis que son mari souffre d’épuisement à élever les enfants. On pourrait penser que l’histoire se déroule dans le passé (cela aurait été le volet « hier » du film), mais il s’agit bien du temps présent : on comprend alors le retard et la pauvreté de la région de Naples. Sophia Loren et Vittorio De Sica connaissent d’ailleurs bien la Campanie pour y avoir grandi, tous deux dans des familles pauvres.

La deuxième histoire est brève et sans intérêt. La troisième histoire comporte quelques passages sympathiques, et ravira ces messieurs pour le striptease de Sophia Loren, mais n’est pas des plus passionnantes.

Le titre du film semble faire référence au cadre temporel des trois histoires, mais ce n'est pas si clair que ça : l'histoire à Milan est la plus moderne (elle pourrait être "demain"), alors qu'il s'agit du tronçon du milieu. Je n'ai donc pas bien compris l'intention de De Sica à ce sujet, mais ce qui est certain, c'est l’atemporalité des trois histoires d’amour.

Sur un thème similaire, regardez plutôt « Mariage à l’italienne » !

« Mean Girls » (2004) : la règle du jeu

2011-09-20T17:36:00.010-04:00

Le pitch : Cady (Lindsay Lohan) est scolarisée pour la première fois après avoir grandi en Afrique. Elle découvre alors le monde brutal du lycée, dominé par une bande de filles belles et impitoyables, les « Plastiques ».

Comment se fait-il que je sois passée à côté du « Clueless » des années 2000 pendant tant d'années ? J'ai une petite idée sur la question : le titre français est « Lolita malgré moi » (grave erreur des distributeurs) et Lindsay Lohan tient le rôle principal.

Il y a quelques mois, j’ai découvert que Tina Fey – en tant que scénariste – se cache derrière ce qui semblait être une énième bluette pour adolescentes, et bien sûr cela change tout. Son portrait des adolescents américains à travers le regard d’une Candide des temps modernes est drôle et grinçant.

Mon passage préféré est l’observation des rites américains pour Halloween : « In the real world, Halloween is when kids dress up in costumes and beg for candy. In Girl World, Halloween is the one day a year when a girl can dress up like a total sl*t and no other girls can say anything else about it. » … Tellement vrai !

Il y a ainsi toute une succession de répliques cultes, portées par un casting audacieux : Lindsay Lohan en blanche colombe (à l’époque où son visage était encore frais, tendance Emma Stone), Rachel McAdams en peste blonde, et Amanda Seyfried en nunuche. Quant à Lacey Chabert, elle ressemble incroyablement à Stacey Dash qui interprétait la meilleure amie d’Alicia Silverstone dans « Clueless ». Mais le meilleur caméo du film revient à Amy Poehler, la meilleure copine de Tina Fey depuis leurs jours au Saturday Night Live, en maman blonde siliconée et irresponsable.

Malheureusement, le mordant du film s’écroule dans une scène de « mea culpa » collective, où tout le monde se rend compte qu’il a été méchant. Sans ces excuses dégoulinantes, « Mean Girls » aurait été un excellent film.

A voir pour passer un bon moment !

« Megamind » (2010) : moi, bleu et méchant

2011-09-17T18:34:00.000-04:00

Le pitch : Megamind (Will Farrell), un extraterrestre, terrorise Metro City et ne cesse de kidnapper la journaliste Roxane Ritchie (Tina Fey)… mais perd systématiquement face au superhéros Metro Man (Brad Pitt). Un jour, à sa plus grande surprise, Megamind terrasse Metro Man, et se trouve dépourvu sans ennemi à combattre.

En 2010, les méchants pris de remords ont eu le vent en poupe : « Moi, moche et méchant » et « Megamind » sont sortis coup sur coup. « Megamind » est légèrement supérieur grâce à une histoire moins niaise et un graphisme plus soigné. Ceci étant dit, ils s’adressent tous deux à un public très jeune, et n’arrivent pas à la cheville des « Indestructibles » de Pixar.

Il y a de bonnes trouvailles dans « Megamind » : sa manière de mal prononcer certains mots, ses apparitions de rock star, sa capacité à se transformer… La bande originale est particulièrement réussie, et les scènes sur fond de « Highway to Hell » de AC/DC et « Bad » de Michael Jackson valent le coup d’œil. J’ai également apprécié le clin d’œil a la campagne d’Obama : « yes we can » devient « no you can’t » !

Mais le scenario est hautement prévisible, et on sent immédiatement la gentillesse de Megamind dans ses grands yeux verts innocents. La romance avec Roxanne la journaliste, inspirée de Superman et Lois Lane, n’est pas palpitante.

Deux noms m’ont surprise lors du générique de fin : les conseillers créatifs du film était Justin Theroux (alias Monsieur Jennifer Aniston – n’est-ce pas ironique qu’il partage l’affiche avec Brad Pitt ?), et Guillermo Del Toro (plus connu pour ses films terrifiants que pour sa connaissance des dessins animés).

Une fois de plus, la suprématie de Pixar n’est pas égalée.

« Bridesmaids » (2011) : demoiselles de déshonneur

2011-09-16T17:56:00.003-04:00

Le pitch : Annie (Kristen Wiig) ne va pas très bien entre son commerce de pâtisserie ayant fait faillite, sa vie sentimentale désastreuse, et sa colocation avec deux étranges Anglais. Son monde continue de s’effondrer quand Lillian (Maya Rudolph), sa meilleure amie, lui annonce qu’elle est fiancée et fait d’elle sa « maid of honor ».

« Bridesmaids », s’autoproclamant le pendant féminin des films de la bande Judd Apatow-Seth Rogen-Jonah Hill, a fait un carton au box office américain. N’appréciant pas du tout la bande susnommée, je n’attendais pas grand-chose de ce film, mais étais curieuse de voir pourquoi il a un tel succès.

Tout d’abord, le titre est mal choisi : j’aurais appelé le film « Maid of Honor ». Ce n’est pas un film chorale, comme le laissent à penser la bande annonce et les images du film, mais plutôt l’histoire d’Annie. La mariée et ses autres demoiselles d’honneur ont assez peu de temps à l’écran. Ne vous fiez pas non plus aux robes cheap portées par les filles sur l’affiche : dans le film, le mariage coûte très cher et les robes viennent de grands designers !

Il faut reconnaitre que Kristen Wiig - tout droit sortie de Saturday Night Live - fait un bon travail à porter ce film, et est accompagnée d'actrices talentueuses. Rose Byrne, repérée dans « Damages », sort particulièrement du lot en miss parfaite.

Par rapport à ce que j’attendais, l’humour du film est relativement soft, même si on n’échappe pas à certains gags bien gras. « Knocked Up » ou « 40 Year Old Virgin » étaient pires.

On n’échappe pas non plus au dénouement plein de bons sentiments, qui réduit à néant tout le cynisme du film !

En bref, « Bridesmaids » se laisse regarder, mais ne vaut pas le coup de se déplacer en salles.

« Contagion » (2011) : peur sur la ville

2011-09-13T21:55:00.001-04:00

Le pitch : Beth Emhoff (Gwyneth Paltrow) rentre d’un voyage d’affaires à Hong Kong avec un méchant rhume, qui dégénère et cause sa mort. Elle est en fait l’une des premières victimes d’un virus inconnu et hautement contagieux, se répandant rapidement sur tous les continents.

Jamais le cinéma n’avait abordé la question des épidémies avec autant de réalisme. On sent qu’il y a eu une recherche approfondie pour créer ce virus imaginaire, infectant les voies respiratoires et le cerveau, et s’inspirant du Nipah ayant touché l’Asie du Sud-Est. Je vous conseille d’ailleurs la lecture de cet article du NY Times écrit par un médecin et détaillant les différences entre « Contagion » et la réalité d’une épidémie.

Steven Soderbergh était sûr de frapper fort au box office avec ce sujet sensationnaliste – alors que la frayeur du H1N1 est encore dans tous les esprits – et un casting impressionnant : Kate Winslet, Jude Law, Matt Damon, Gwyneth Paltrow, Marion Cotillard, Laurence Fishburne, Elliott Gould…

Au final, c’est un plutôt bon film, qui ne va pas toujours là où on l’attend et n’hésite pas à tuer rapidement les plus grandes stars (la scène d'autopsie de Gwyneth Paltrow fait frémir...). Toutefois, comme je l’ai entendu en en sortant de la salle, la bande annonce était meilleure. Difficile de ne pas penser à l’excellent film à suspense qu’il aurait pu être. Le scénario se dilue dans trop d’intrigues : les histoires de Jude Law et Marion Cotillard laissent en particulier un goût d’inachevé (dommage, cette dernière ayant enfin trouvé un rôle anglophone où elle ne joue pas la potiche). On n’est pas non plus scotché à son siège par le suspense, et j’ai entendu des personnes rire à chaque fois que San Francisco – où j’ai vu ce film – apparaissait à l’écran.

C’est un bon divertissement, qui vaut le coup d’être vu, mais ne vous attendez pas au film de l’année.

« One Day » (2011) : 20 ans de réflexion

2011-09-12T08:07:00.000-04:00

Le pitch : Emma (Anne Hathaway) et Dexter (Jim Sturgess) se rencontrent le jour de leur remise de diplôme, passent une nuit platonique ensemble, et décident de rester amis. On les suit chaque 15 juillet sur 20 ans, qu’ils le fêtent ensemble ou non.

Je suis sortie de « One Day » en n’arrivant pas à déterminer si je l’avais aimé ou non, ce qui est en général mauvais signe. Quelques jours plus tard, le verdict est clair : c’est un film qui aurait pu être très bon mais se révèle moyen.

Plusieurs incohérences m’ont gênée. La plus choquante est le choix d’Anne Hathaway pour interpréter une Anglaise moyenne, maladroite et peu élégante. Son accent sonne faux, et pendant tout le film on voit bien qu’il s’agit d’une belle actrice avec une perruque et des lunettes moches, qui d’ailleurs ne prend pas une seule ride en 20 ans. Cela montre bien que les considérations financières (choisir une actrice « bankable ») l’ont emporté sur les considérations artistiques.

Les autres acteurs sont également plus beaux les uns que les autres (Jim Sturgess, Patricia Clarkson, Romola Garai…), ce qui n’aurait pas été un problème dans une comédie se passant a L.A. mais en devient un dans un drame européen.

Ensuite, le grand rebondissement final est gros comme une maison, et tombe un peu comme un cheveu sur la soupe. Ce qui se passe après le rebondissement est par contre intéressant et émouvant.

Le rôle le plus intéressant revient à Jim Sturgess, qui se transforme profondément tout au long du film, que ce soit physiquement ou dans son attitude.

En bref, c’est une belle histoire triste avec de bons acteurs qui rate sa cible. J’entends dire que le livre éponyme dont il s’inspire est beaucoup plus réussi.

9/11

2011-09-11T01:51:00.000-04:00

En ce jour de 10ème anniversaire des attentats du 11 septembre, difficile de faire comme si de rien n’était. La menace terroriste est plus que jamais présente, et la couverture médiatique tourne à l'obsession.

Le cinéma a été plutôt timide dans la mise en scène de cet événement, ce qui est compréhensible face à sa portée symbolique et aux émotions qu’il déclenche. Je ne retiendrai que 2 films ayant réussi à traiter le sujet : le documentaire « New York 11 septembre » des frères Naudet, qui se sont trouvés sur les lieux du drame par hasard, et « Vol 93 » (en VO, « United 93 »), qui oscille entre précision documentaire et grand film à suspense.

Mais le film résumant le mieux le 11 septembre, bien qu’il n’en fasse pas son sujet principal, est « Les Invasions Barbares » : le parallèle entre le cancer rongeant le personnage principal et le terrorisme rongeant l’empire américain est frappant.

Hélas, le 11 septembre 2001, ce n’était pas du cinéma.

« Water for Elephants » (2011) : le bon, la brute et l’éléphant

2011-09-09T18:25:00.000-04:00

Le pitch : dans les années 30, Jacob (Robert Pattinson) s’apprête à passer son examen final de vétérinaire à Cornell quand ses parents meurent brutalement dans un accident de voiture, laissant des dettes derrière eux. Jacob monte dans le premier train qui passe et se retrouve embarqué dans une compagnie de cirque.

« Water for Elephants » a une certaine élégance retro qui m’avait charmée en voyant la bande annonce. Tout est très soigné dans la mise en scène et les costumes. J’avais ensuite renoncé à le voir au cinéma face aux critiques américaines mitigées, qui citaient quasiment toute la mièvrerie du film (surprenamment, les critiques françaises ont été par la suite plus convaincues).

En effet, c’est mièvre. Rob Pattinson nous fait des sourires gentils à la Edward le vampire de « Twilight », et Reese Witherspoon est réduite à un rôle « soit belle et tais-toi ». Les deux forment un couple peu crédible. Christopher Waltz a plus de bagout, mais son personnage manque de relief : espérons qu’il trouvera des rôles loin du nazi sadique d’« Inglourious Basterds », car il le mérite.

La vraie star du film, c’est Rosie l’éléphante de 42 ans. Les scènes avec elle sont vraiment superbes, et il est difficile de ne pas être ému quand le personnage de Christopher Waltz la frappe.

Bien qu’elle n’ait rien d’original, j’ai trouvé la fin du film satisfaisante. Il faut également dire que j’étais contente que ça se termine après quelques longueurs !

Si vous aussi vous retrouvez coincés dans un vol de 6h avec un choix réduit d’activités, je vous recommande ce film. Sinon, ce n’est pas indispensable de le voir.

« Il était une fois en Amérique » (1984) : la conquête de l’Est

2011-09-07T19:44:00.003-04:00

Titre original : « Once Upon a Time in America »

Le pitch : David « Noodles » Aaronson (Robert De Niro) se souvient de sa vie à New York pendant la Prohibition avec sa bande d’amis.

Dernier film de Sergio Leone et considéré comme l’un des meilleurs films des années 80, « Il était une fois en Amérique » m’a déçue. J’étais pourtant conquise d’avance : une grande saga sur des gangsters de la Prohibition, dans la veine du « Parrain » (que Leone a parait-il regretté de ne pas avoir réalisé), avec en personnage principal le grand Robert De Niro, sur fond de bande originale composée par Ennio Morricone… que demander de plus !

Si l’esthétique est très réussie et l’histoire intéressante, le film pèche par sa lenteur. Ce n’est pas un problème de montage (malgré les 3h40 de film), mais plutôt de rythme de narration ; on sent que Sergio Leone appartient à une autre époque que Scorsese ou Coppola. De plus, certains actes discutables des personnages (Noodles dans sa relation avec Deborah, par exemple) ne sont pas du tout expliqués.

Mais les zones d’ombre font aussi partie du charme du film. Sans vouloir trop en révéler, la présence de l’opium offre plusieurs interprétations du film, et Leone a volontairement refusé de trancher. Robert De Niro et James Woods illuminent le film, tous deux dans des rôles ambigus de gangsters au grand cœur.

Enfin, le film contient des scènes mythiques de New York, dont quelques plans des enfants jouant sous le Manhattan Bridge.

Parmi les jeunes acteurs, on reconnait Jennifer Connelly (Deborah jeune) dont c’était le tout premier rôle.

« Il était une fois en Amérique » n’est pas un chef d’œuvre à mon sens mais se laisse regarder, à condition d’être patient !

« The Help » (2011) : la couleur du box office

2011-09-06T23:29:00.000-04:00

Le pitch : dans les années 1960, Eugenia « Skeeter » Phelan (Emma Stone), jeune fille éduquée de Jackson, Mississippi, décide d’écrire le premier livre présentant le point de vue des domestiques afro-américaines. Elle doit se cacher pour ne pas déclencher la fureur des maitresses de maison blanches, menées par la redoutable Hilly Holbrook (Bryce Dallas Howard).

« The Help », à l’affiche depuis 3 semaines, a été l’un des succès surprises de l’été américain, et remplit encore les salles. Il est également l’objet de controverses – très bien expliquées par le NY Times –, d’abord parce qu’il adopte le point de vue d’une femme blanche pour raconter les souffrances des domestiques noires, mais aussi parce qu’il édulcolore la vie de ces descendantes d’esclaves.

Il est vrai que « The Help » ne lésine pas sur l’enrobage sucré. Prenez les trois « it girls » rousses du moment (Emma Stone, Bryce Dallas Howard, Jessica Chastain), ajoutez un bestseller qui fait pleurer dans les chaumières, saupoudrez de décors et costumes soignés aux couleurs acidulées : secouez le tout et vous aurez un hit en salles à coup sûr ! Disney, le distributeur, ne s'y est pas trompé. Pourtant, les échos autour de moi à la sortie de salle étaient mitigés : j’ai notamment entendu un jeune homme (certes pas le cœur de cible) dire dans un grand soupir de déception : « tearjerker ».

Quel dommage que ce superbe casting soit sous-exploité : Emma Stone joue son éternel rôle de jeune fille intelligente et rebelle, Bryce Dallas Howard est une méchante digne des belles sœurs de Cendrillon, et Viola Davis passe tout le film à lancer des regards de cocker. Seules deux actrices sortent du lot : Octavia Spencer (Minny dans le film) fait un véritable one-woman show à chaque apparition, et Jessica Chastain est convaincante en bimbo blonde aux antipodes de son rôle dans « The Tree of Life ».

C’est donc un film qui se laisse agréablement regarder, mais qui s’oublie aussi vite. Sur un thème similaire (la place des noirs dans l’Amérique pré-droits civiques), je recommande plutôt « Driving Miss Daisy ».

« Crazy, Stupid, Love » (2011) : les arnacoeurs

2011-09-01T16:58:00.003-04:00

Le pitch : Cal (Steve Carell) et Emily (Julianne Moore) traversent une crise après 25 ans de mariage. En noyant sa tristesse dans un bar, Cal rencontre Jacob (Ryan Gosling), qui le relooke et lui apprend à séduire les femmes. Mais ce dernier a des difficultés à conquérir Hannah (Emma Stone).

Sur le papier, je n’aurais pas donné cher de cette énième comédie romantique, mais j’ai été intriguée par l’excellent casting, la bande-annonce amusante, et le bon bouche-à-oreille.

Cela fait déjà plus d’1 mois que « Crazy, Stupid, Love » est dans les salles américaines, et il a bien résisté face aux blockbusters de l’été.

Les dialogues sont vraiment savoureux, et le rythme est soutenu, à tel point que j’ai pensé « déjà ? » quand le générique de fin est arrivé. « Crazy, Stupid, Love » n’est pas si prévisible qu’on pourrait le penser (sauf la fin, bien entendu), et je me suis laissé surprendre par un rebondissement de la deuxième partie du film.

Julianne Moore et Ryan Gosling, plus habitués aux drames, n’ont aucun mal à égaler Steve Carell et Emma Stone dans le registre comique. Les seconds rôles sont eux aussi tous parfaits, qu'ils soient connus (Kevin Bacon, Marisa Tomei, John Carroll Lynch) ou non (les enfants, la meilleure amie d'Hannah...).

La dernière comédie romantique réussie que j’avais vue était « L’Arnacoeur » (2010). On ne rit pas autant dans « Crazy, Stupid, Love », mais c’est tout de même un concurrent sérieux. Il est d’ailleurs très amusant de voir la scène de Dirty Dancing, qui n’est pas sans rappeler la danse déchaînée entre Vanessa Paradis et Romain Duris. Mais Emma Stone n’est pas une danseuse dans l’âme, et a dû se faire doubler pour le moment où Ryan Gosling la soulève : elle avait le vertige !

Même si les meilleurs films sont toujours les drames, cela fait plaisir de voir un divertissement qui tient ses promesses.

« Higher Ground » (2011) : en apesanteur

2011-08-30T17:30:00.011-04:00

Le pitch : depuis son enfance, Corinne s’interroge sur sa foi. Elle grandit dans un environnement religieux, tombe enceinte très jeune, et se rapproche d’une communauté religieuse soudée suite à un accident.

J’avais repéré « Higher Ground » au festival de Tribeca, et étais curieuse de le voir depuis, sans être pour autant sur ma liste des priorités. J’apprécie beaucoup Vera Farmiga, qui interprète toujours ses rôles avec profondeur et malice (« Les infiltrés », « In the Air », « Source Code »…), mais cela ne donnait aucune certitude sur ses compétences en tant que réalisatrice.

Sorti discrètement vendredi dernier, le film a globalement obtenu de très bonnes critiques, y compris dans ma Bible : le NY Times. Je m’attendais donc à un bon film, mais il a surpassé mes attentes. Je n’avais pas vu quelque chose d’aussi sincère et touchant en salles depuis « La solitude des nombres premiers » au printemps. Que l’on soit croyant ou non, c’est une histoire universelle : la famille, les amours, les doutes sur le sens de la vie… On rit parfois de scènes sarcastiques, mais l’ensemble est bouleversant tout en restant optimiste. « Higher Ground » a également le mérite d’aller là où on ne l’attend pas.

Vera Farmiga porte le film des deux côtés de la caméra. Son visage lumineux et versatile joue beaucoup dans le succès du film. Il me semblait à première vue qu’elle était la seule actrice connue du film, mais j’ai petit à petit mis des noms sur des visages familiers : John Hawkes était le méchant Teardrop dans « Winter’s Bone » ; Nina Arianda et Donna Murphy ont récemment été acclamées sur les planches new-yorkaises, respectivement pour « Born Yesterday » et « The People in the Picture » ; Joshua Leonard avait le rôle principal dans « Humpday ».

Pendant toute la première partie du film, j’ai trouvé que la ressemblance entre l'actrice jouant Corinne adolescente et Vera Farmiga était frappante, et m’apprêtait à m’enthousiasmer sur ce grand succès de casting ayant dû demander un effort considérable. L’adolescente est en fait interprétée par la sœur de Vera Farmiga !

Toutefois, je suis toujours agacée par les petites incohérences qui cassent le rêve du cinéma. Corinne enfant et adolescente a les yeux marrons, puis ils deviennent soudain bleus en tant qu’adulte : ce n’est pourtant pas compliqué de faire porter des lentilles colorées aux acteurs… Autre petite incohérence : Vera Farmiga était enceinte pendant le tournage, et son ventre est très apparent dans certaines scènes de la fin du film où son personnage n’attend pas d’enfant. J’ajouterais également quelques scènes superflues (la visite de la sœur, le débat autour de la robe de maternité), qui auraient pu être coupées pour donner plus de dynamisme au film. Cela reste des détails qui ne nuisent que très légèrement à la réussite du film.

En bref, surveillez sa date de sortie en France et courez le voir au cinéma !

« The Conversation » (1974) : complots

2011-08-29T22:17:00.006-04:00

Le pitch : Harry Caul (Gene Hackman) participe à l’enregistrement d’une conversation entre deux hauts fonctionnaires ayant une affaire secrète. En réécoutant l’enregistrement en boucle, il commence à se demander s’ils ne vont pas être bientôt assassinés.

Bien qu’étant l’un des réalisateurs les plus talentueux de sa génération, Coppola a lutté toute sa vie (et lutte encore) pour mener à bien ses projets. Paramount ne voulait pas de lui pour tourner « Le Parrain », ni de ses choix d’acteurs, Al Pacino et Marlon Brando. Sans sa fortune dans le vin, il n’aurait jamais pu réaliser certains de ses films, y compris « Apocalypse Now » : personne ne voulait prendre le risque de s’engager dans les projets controversiaux d’un homme à fort tempérament ! Il l’a d’ailleurs très bien raconté dans sa master class au Forum des Images (vidéo ici).

« The Conversation » était l’un de ses tous premiers projets dans les années 60, mais il n’arrivait pas à trouver le financement. Les portes se sont ouvertes après le grand succès du « Parrain ». Ainsi, par pure coïncidence, « The Conversation » est sorti en 1974… année de la démission de Nixon dans le scandale du Watergate. Il aurait été difficile de trouver un timing plus approprié. Coppola a lui-même avoué être surpris des parallèles entre son film et la réalité : l’équipement de mise sur écoute était le même !

Le contraste avec « Le Parrain » est très fort : après le baroque de la mafia italo-américaine et ses familles nombreuses, on passe à un loup solitaire, écoutant en boucle la même conversation dans son hangar sombre. Il est rare de voir un film d’espionnage aussi intimiste, et Gene Hackman y trouve un très grand rôle, tout en réserve et finesse.

L’histoire est épurée mais efficace : on se prend au suspense, et le rebondissement final est bien trouvé. Cela prouve qu’il fut un temps où la Palme d’Or revenait à de bons films !

« Orange Mécanique » (1971) : Big Brother is curing you

2011-08-28T15:53:00.004-04:00

Titre original : « A Clockwork Orange »

Le pitch : Alex (Malcolm McDowell) et ses amis ont pour principal passe temps l’ultraviolence sous influence de substances illicites. Un jour, Alex se fait arrêter, et se porte volontaire pour un nouveau programme médical promettant de transformer les criminels en de bons citoyens.

Il y a les films que je n’ai pas envie de voir (principalement les films d’horreur et les films à gros budget sans scénario), et il y a ceux que je veux voir mais qui me terrifient. « Orange Mécanique » et « Le silence des agneaux » font partie de cette dernière catégorie. Après de nombreuses discussions avec des amis, m’assurant que l’on a vu pire à l’écran, j’ai décidé de me lancer. Le cannibalisme me faisant plus peur que les yeux écarquillés, je commence avec Kubrick.

Dès les premières images, le climat est incroyablement malsain. Le regard de Malcolm McDowell suffit à dégoûter tout être normalement constitué. Il est vrai que la violence graphique est limitée, et se passe principalement hors champ, mais la violence psychologique est constante au long du film.

Comme je l’évoquais récemment, les films de Kubrick ont la fâcheuse tendance de mal vieillir. Pour preuve, j’ai découvert après coup qu’ « Orange Mécanique » est censé se passé dans une Angleterre du futur. 40 ans plus tard, le film semble pourtant complètement ancré dans les années 70 par ses décors et costumes.

Il faut reconnaître qu’« Orange Mécanique » ne ressemble à aucun autre film : l’esthétique et la façon de parler des personnages sont uniques. L’influence la plus évidente est « 1984 » d’Orwell, dont il partage la critique du formatage des individus par le gouvernement. Toutefois, Alex est tellement violent qu’il est difficile de s’apitoyer face à ses mésaventures.

Malcolm McDowell s'est récemment exprimé dans la presse à l'occasion des 40 ans du film et de sa restauration numérique. « Orange Mécanique » a propulsé sa carrière, mais a également été une malédiction : difficile de trouver des rôles après avoir marqué les esprits en tant que psychopathe. Andrew Robinson, qui interprétait le tueur Scorpio dans « Dirty Harry », a rencontré le même problème.

Ce n’est pas un film que je recommanderais. Il m’a donné envie de voir un bon Disney pour reprendre foi en la nature humaine !

« Les 400 coups » (1959) : Antoine Doinel a des ennuis

2011-08-28T06:49:00.001-04:00

Le pitch : Antoine Doinel (Jean-Pierre Léaud), un garçon de 12 ans, enchaîne les bêtises avec ses copains. Cela lui cause de plus en plus de problèmes avec l’école et ses parents.

Par un heureux hasard, « Le Petit Nicolas » était inventé par Goscinny et Sempé l’année où est sorti « Les 400 coups ». Difficile de ne pas faire le lien en voyant le bagout et les petites bêtises d’Antoine Doinel. Il est d’ailleurs dommage que personne n’ait visiblement pensé à s’inspirer du film de Truffaut pour la fade adaptation cinéma du « Petit Nicolas » en 2010.

Certaines scènes sont vraiment hilarantes, notamment celle où Antoine Doinel se confie à la psychologue (retranscription approximative : « Est-ce vrai que tu as volé 10 000 francs à ta grand-mère ? » - « Bah oui mais elle était vieille et allait mourir, elle n’en avait plus besoin de toute façon ! »). Il s’agissait d’une scène d’essai pour Jean-Pierre Léaud, et il a été tellement convaincant que Truffaut a gardé cette version au montage final.

Autre point fort du film : Paris est magnifiquement filmée, comme une photographie de Doisneau et de ses compères humanistes. On y aperçoit des milieux très modestes, mais jamais la misère.

Mais là où « Le Petit Nicolas » reste toujours tendre et bon enfant, les choses se durcissent progressivement pour Antoine Doinel : le film prend une tournure inattendue quand son père décide que la douceur ne suffira pas à calmer le jeune turbulent.

L’histoire est largement autobiographique : Doinel, c’est Truffaut. Il continuera dans ses films suivants à s’inspirer de sa vie pour mettre en scène la vie adulte de Doinel, toujours interprété par Jean-Pierre Léaud.

Seul bémol, la fin ouverte m’a un peu déçue : c’est une manie agaçante propre à la Nouvelle Vague, et Truffaut avait peut-être déjà en tête de raconter la suite de l’histoire.

C'est toutefois un grand classique du cinéma français, à voir !

« Le tombeau des lucioles » (1988) : les âmes vagabondes

2011-08-26T20:39:00.001-04:00

Titre original : « Hotaru no Haka »

Le pitch : Seita, un jeune adolescent japonais, raconte comment il en est arrivé à mourir de faim dans une gare pendant la Seconde Guerre Mondiale.

Je savais que « Le tombeau des lucioles » parlait de la guerre, mais je ne m’attendais pas à une histoire aussi triste et sombre. Dès les premières images, le fantôme du jeune garçon rejoint celui de sa petite sœur dans une nuée de lucioles.

Si le style d’animation rappelle Miyazaki, on est plus proche de « Valse avec Bachir » dans le propos et certaines images violentes. Autrement dit, ce n’est pas un film pour enfants.

Setsuko, la petite sœur de 5 ans, est fascinée par les lucioles. A l’image de ces petits insectes, les victimes de la guerre s’éteignent brutalement après une courte vie. Mais l’aspect le plus brutal du film n’est pas de voir des cadavres. Elle réside principalement dans les relations des deux enfants avec leur tante, qui ne cesse de les réprimander, les traitant de plus en plus comme des fardeaux. Son attitude sera amplement responsable de leur mort. A l’opposé, Seita est un grand frère modèle : il essaie d’épargner Setsuko de la réalité de la guerre, et fait tout pour lui trouver à manger.

L’histoire est malheureusement partiellement autobiographique : le vrai Seita a survécu à la guerre, mais a vu sa petite sœur mourir de malnutrition. Très peu de films évoquent la vie des civils japonais pendant la guerre, ce qui fait du « Tombeau des lucioles » un témoignage historique essentiel, en plus d’être un très beau film.

Je recommande ce petit bijou d’animation… à voir un jour où vous avez le moral !

« On Golden Pond » (1981) : impression, soleil couchant

2011-08-23T08:23:00.001-04:00

Le pitch : Norman (Henry Fonda) et Ethel Thayer (Katharine Hepburn) passent tous leurs étés dans leur maison sur un lac. Pour les 80 ans de Norman, leur fille Chelsea (Jane Fonda) leur rend visite en compagnie de son fiancé et du fils de ce dernier.

Comme pour « Klute », je voulais voir « On Golden Pond » car il avait été cité par Jane Fonda comme un film majeur dans sa carrière et sa vie privée lors de son passage a la Filmothèque du Quartier Latin.

« On Golden Pond » est un film symbolique par bien des aspects. Henry Fonda, âgé de 76 ans y trouva son dernier rôle et son premier Oscar. Katharine Hepburn remporta son quatrième Oscar, un record. Jane Fonda avait acheté les droits d’adaptation de la pièce de théâtre car la relation dysfonctionnelle entre Norman et Chelsea faisait écho à celle qu’elle entretenait avec Henry.

C’est une histoire toute simple : la complicité d’un vieux couple, la peur de la mort, les relations père-fille, le choc générationnel… Le film convainc car cette histoire est racontée de manière réaliste, même s’il force parfois sur les bons sentiments.

Les acteurs sont vraiment excellents. Les Fonda père et fille se ressemblent énormément, et on peut imaginer l’émotion qu’ils ont eue à tourner certaines scènes leur rappelant leur passé. Katharine Hepburn a un rôle très décalé : on se demande si son personnage est juste original ou bien entre doucement dans la démence ! Et en plus de la performance intellectuelle, tous se sont donnés physiquement : ils passent leur temps à plonger dans un lac glacé ! Le tournage a dû être éprouvant.

C’est donc un film relativement peu connu qui mérite d’être découvert.

« Vol au-dessus d’un nid de coucou » (1975) : éloge de la folie

2011-08-18T19:13:00.008-04:00

Titre original : « One Flew Over the Cuckoo’s Nest »

Le pitch : Randle P. McMurphy (Jack Nicholson), emprisonné pour divers crimes, arrive à l’hôpital psychiatrique pour subir un test psychologique, et espère ainsi échapper à la dureté de la prison. Très vite, il rentre en conflit avec Miss Ratched (Louise Fletcher), l’infirmière en chef.

« Vol au-dessus d’un nid de coucou » est considéré, à juste titre, comme l’un des plus grands films américains. Il est classé dans le National Film Registry de la Library of Congress, et a réalisé l’exploit de remporter le « Big Five » des Oscars : meilleur film, meilleur réalisateur, meilleur acteur, meilleure actrice, et meilleur scenario (seuls « New York – Miami » et « Le silence des agneaux » l’ont égalé).

C’est un film édifiant, où les fous ne sont pas tous si fous que ca, et où le milieu hospitalier détruit à petit feu. Jack Nicholson était le meilleur choix imaginable : il a démontré à nouveau 5 ans plus tard, dans « Shining », qu’une lueur de folie brille en permanence dans ses yeux. Et pourtant, on comprend dès ses premières minutes a l’écran que son personnage a toute sa tète : c’est un être turbulent, voire dangereux, mais certainement pas mentalement déficient. Il se lance dans la mauvaise bataille en tenant tête à l’infirmière, qui cache derrière son attitude douce et posée des méthodes rigides.

Parmi les pensionnaires de l’hôpital psychiatrique se cachent également deux nouveaux venus du cinéma : Danny DeVito et Christopher Lloyd ! Leurs visages semblent familiers, mais ils sont à peine reconnaissables. Eux aussi ont continué à interpréter des illuminés tout au long de leur carrière.

J’ai lu que Will Sampson, qui interprète le chef indien, avait été choisi par défaut car il n’y avait pas d’autre amérindien mesurant 2 mètres dans l’Oregon, lieu du tournage du film (où Sampson était garde forestier !) : c’est au final un excellent non-choix. Son rôle se développe tout au long du film, et il devient progressivement le personnage le plus touchant.

C’est incroyable de voir que « Vol au-dessus d’un nid de coucou » n’a pas vieilli, et aurait pu être tourné en 2011, alors qu’il a plus de 35 ans. Son seul petit défaut est d’avoir quelques longueurs, car il veut raconter trop de scènes de vie.

Je ne peux que vivement recommander cette séance de rattrapage !

« Blue Velvet » (1986) : ... ne fait pas dans la dentelle

2011-08-17T21:44:00.006-04:00

Le pitch : en allant rendre visite à son père a l’hôpital, Jeffrey Beaumont (Kyle MacLahan) découvre une oreille humaine dans un champ. Decidé à en savoir plus sur ce mystère, il mène sa propre enquête avec l'aide de la fille du détective, Sandy (Laura Dern).

Après avoir lu toutes sortes de choses sur « Blue Velvet », je m’attendais à un film incompréhensible, ultra-violent, et oscillant entre érotisme et pornographie. Mais ce film n’est rien de tout cela, et est plutôt facile à regarder pour un Lynch.

Attention, je ne veux pas dire qu’on est chez les Bisounours : les personnages principaux sont une chanteuse masochiste, un tueur pervers et un jeune voyeur. En lisant le scenario, de nombreux acteurs ont refusé ces trois rôles. Seul Dennis Hopper s’est enthousiasmé à l’idée d’interpréter le tueur pervers ! Toutefois, le film se déroule comme un film noir classique (le crime, la femme fatale…), et on y décerne même une pointe d’optimisme. David Lynch a surement subi des pressions de la part de ses producteurs, car il semble que le scenario original était plus sombre.

C’est amusant de voir Kyle MacLahan et Laura Dern dans leur jeunesse. Cette dernière joue la blanche colombe un peu mièvre, et donne un peu de légèreté au film. Il y a également des petites touches d’humour noir lynchien tout au long du film, comme cette superbe scène d’ouverte où le père de Jeffrey s’étouffe avec son tuyau d’arrosage.

Je suis un peu plus sceptique concernant le choix d'Isabella Rossellini dans le rôle de la chanteuse : je ne trouve pas son interprétation exceptionnelle, et elle chante faux (ce qui ne semble pas être volontaire).

Contrairement à certains critiques, je n’irais pas jusqu'à décrire « Blue Velvet » comme l’un des plus grands films du cinéma, mais c’est définitivement un bon film et une histoire prenante. A voir !